Um bom filme, mas..., 2017-01-23

Um bom filme e bem construído, muito embora seja uma quase cópia do original "De Olhos Abertos" de Alejandro Amenábar. Muito embora Vanilla Sky possa ser mais belo visualmente, o original ganha mais por ser mais chocante nalgumas cenas, e por não procurar explicar tudo para o expectador na recta final, mas antes deixá-lo a pensar e digerir o que acabou de ver. Se pretendem ver os dois, aconselho vivamente a ver o original em primeiro lugar.

Por mruas (OIÃ)

Pensar Obrigatório, 2017-01-15

Caído em desgraça no Japão por insucesso comercial, Akira Kurosawa reergue-se maior do que nunca graças a outros países que lhe deram uma nova oportunidade de desenvolver a sua arte, no caso vertente a Rússia - de certa maneira ele é Dersu, explorando a sua própria taiga, livre do seu país. E o resultado foi um dos mais singulares e belos filmes de Kurosawa e mesmo de todo o cinema, este Dersu Uzala. Quem por aqui passar, por Dersu na taiga siberiana, pelo Homem em comunhão com a Natureza, foragido ou renegado pela civilização, não irá esquecer. Atenção, este não é um filme para "ecologistas", nem eu sou "ecologista". É, simplesmente, um grande filme.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

engano na tradução, 2017-01-15

O menino não é tailandês. A sinopse não traduz em nada o ambiente da história, nem os momentos chave da narrativa. Na minha opinião devia ser revista por forma a ilustrar melhor a história e preparar o espectador para o que vai visionar. A minha opinião sobre esta obra é que fica a quem das expectativas, fica a sensação de que os argumentistas a certa altura se desentenderam em relação ao final e fica assim tipo uma coisa arrumada "às três pancadas".

Por tecas (LISBOA)

Gosto de ficçao cientifica, 2016-12-29

Gosto de ficção cientifica, mas nada me impede de ver outros filmes.
No caso deste filme, gostei, historia bem contada, não tem tempos mortos, prendeu-me a atenção. Não adormeci nem me levou ao tédio. fermat

Por fermat (ARRANHó)

O Cinema Reinventa-se, 2016-12-28

Este é mais um belo e raro Kiarostami, que só agora vi, graças à Cineteka. Um filme diferente, porque documenta uma situação real, o chamado 'fait divers', que Kiarostami decidiu aproveitar de imprevisto para fazer um filme, mas, e o mas é de peso, usando os próprios intervenientes, representando-se ... a si mesmos! Todo o esquema narrativo e montagem usados são magistrais, aproveitando o próprio julgamento de Hossain Sabzian, "personagem" principal, e que a ficha da Cineteka acima estranhamente omite. Um filme que baralha todo o cinema e volta a dar, terminando em autêntica poesia visual, para aqueles que forem capazes de não abandonar Hossain na sua infelicidade. Um filme magnífico, para muitos uma obra-prima. Saliento um extra no DVD com um comentário de Jorge de Silva Melo, um dos que se sentiu esmagado por este filme. Sabe umas coisitas de cinema, ele!

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Michael Moore no seu Melhor, 2016-12-28

Michael Moore volta a partir na sua interminável cruzada de esquerda por vezes bastante radical, mas desta feita com uma dose de humor e de perspicácia suficientes para tornar o visionamento do produto agradável, e mesmo comovente, por exemplo, quanto transpõe para os EUA o exercício de memória colectiva alemã do nazismo. Depois de concluir que desde a Segunda Guerra Mundial o seu país, os EUA, perdem todas as guerras em que se metem (vê-se logo aqui o grau de demagogia do autor), ele é enviado pelo Pentágono para realizar invasões de países, sozinho, armado apenas com a 'stars and stripes'. Essas invasões destinam-se a descobrir as razões dos sucessos desses outros países em diversos problemas que afligem os EUA - por exemplo, Michael Moore vai descobrir que os alunos finlandeses, aqueles que apresentam os melhores resultados mundiais nas avaliações de aprendizagens, não fazem trabalhos de casa! Este é um documentário, como seria de esperar de Michael Moore, extremamente manipulador do espectador, de propaganda boa parte do tempo. Não o recomendaria a pessoas ingénuas.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Um desfile de grandes actores, 2016-12-27

A brincar a brincar se dizem as coisas sérias, e este filme, verdadeiro desfile do 'gratin' do cinema francês recente, prova isso mesmo. Se aceitarmos a palavra comédia, esta terá que ser temperada, chamemos-lhe uma comédia pesada ou negra (e longa!). Apesar dos seus oito anos e do meu interesse pela cinematografia francesa, só agora o vi na sua totalidade, e valeu a pena. Só pelo desfile de actores, Catherine Deneuve, Jean-Paul Roussillon, Mathieu Amalric, Emmanuelle Devos, Chiara Mastroianni, etc, já valeria a pena, mas acresce a história de uma família "roubaisiana", sua dinâmica familiar e suas patologias bem esboçadas, e o resultado consegue sempre manter o interesse. A descobrir!

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Bola Preta para Cannes, 2016-11-01

Este Filho de Saul é um filme que é mais um aproveitamento de um tema que vende sempre, o Holocausto judeu da Segunda Guerra Mundial, que aqui dá origem a uma obra menor sem ponta por onde se lhe pegue, e que estranhamente ou não foi apreciada pela crítica e até pelo júri de Cannes. Trata-se de um exemplo de mau cinema, radicalmente histérico, com a câmara ao ombro colada o tempo todo às costas do protagonista, que parece por sua vez possuído de uma energia tão demoníaca quanto ridícula, dado o contexto concentracionário em que se move a personagem. Se os irmãos Dardenne conseguiram fazer um grande filme colando a câmara a Rosetta no filme do mesmo nome, aqui o falhanço é total, porque o cinema não é apenas técnica, é arte, e isso é mesmo aquilo que não iremos encontrar neste exercício falhado. É um filme, mas não foi feito para o espectador. Ao contrário do que se possa pensar, isso é comum. Tive que desistir de o ver, penso que só pessoas bastante masoquistas o suportarão. Laszlo Nemes conseguiu a "proeza" de expandir o horror de Auschwitz-Birkenau até ao espectador do seu filme, sem lhe oferecer nada.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Requintada Despedida de um Grande Artista, 2016-10-30

Like Someone In Love é o último filme de Abbas Kiarostami, o mestre do cinema iraniano e um dos grandes do cinema mundial, falecido no Verão deste ano de 2016. O título do filme é o mesmo de uma canção, que ouvimos no filme na voz de Ella Fitzgerald. O filme resume-se à história inacabada de dois dias na vida da estudante universitária e prostituta Akiko, enviada à noite extenuada e contra a sua vontade pelo "patrão" para casa de um ex-professor idoso, Takashi, que a tratará como se ela fosse uma filha ou neta. Uma não-história, pensarão alguns. Mas isso é não conhecer Abbas Kiarostami, que da mais prosaica realidade vai tranquilamente extraindo as mais belas pedras preciosas. Boa parte do filme passa-se no interior de carros, do taxista e de Takashi, espaço ao mesmo tempo privado e aberto ao mundo, que ninguém filmou e aproveitou como Kiarostami. Kiarostami que, tal como o imenso Manoel de Oliveira, foi um artista instintivo e de uma profundidade abissal face ao comum dos mortais, que aqui podemos confirmar na sua despedida. E porque se chama o filme Like Someone In Love, quando nenhum dos protagonista está "in love"? Mistério que deixo ao meu caro leitor, que teve a paciência de ler este comentário. E já que a teve, veja também O Sabor da Cereja, uma das obras-primas de Abbas Kiarostami, que pode encontrar na sua Cineteka do costume.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Bonitos, Porcos e Maus, 2016-10-30

Estranhamente no próprio dia em que pedi este DVD novo da Cineteka, de um filme que ainda recentemente estava em sala em Lisboa, ele passou na RTP2! - sinal de um tempo em que o aluguer vídeo não tem qualquer relevância para a distribuição cinematográfica. Benoît Jacquot é um discreto realizador francês, com obras interessantes, como é o caso desta n-ésima adaptação ao cinema do livro de 1900 de Octave Mirbeau, Diário de Uma Criada de Quarto, livro esse que pretenderia ser um impiedoso retrato e denúncia da sordidez doméstica da Belle Époque (não estranharemos pois que Luís Buñuel já tenha passado por aqui). E sórdido é quase tudo o que vamos ver, com o requinte de assistirmos à rendição final de Célestine, criada de quarto e personagem principal, a um mundo burguês em que "por mais infames que sejam os canalhas, eles nunca o são tanto quanto as pessoas respeitáveis". Outro dos paradoxos que esta visão de Benoît Jacquot nos oferece é o contraste entre o mundo exteriormente belo em que se move Célestine, em que ela própria aparenta mais ser uma grande senhora do que as suas patroas, e a vilania moral que todos infecta, chegando aos crimes mais abomináveis. E no fundo é disso que trata o filme e o livro, da vitória do crime, da vitória do hipócrita.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

A Vida Real no Cinema, 2016-09-25

Porque será que estes filmes não são divulgados na C.Social portuguesa em horário nobre ? Ou sequer debatidos ? O que foi feito, foi-o na estreia com debate na Voz do Operário.Veio ao festival do Estoril? Ok. Porque será que só a "cultura francesa" é capaz de atirar cá para fora, sob a forma de filme, a realidade nua e crua do desemprego, dos centros de (des)emprego, da banca e do apoio à família ?E porque será que, a exemplo de A Família Bélier utiliza atores deficientes, provando ao Mundo a sua utilidade e não sendo necessárias imitações, como parece ser que agradará à "cultura" e sociedade portuguesa que apenas relevaram a interpretação, excelente sem dúvida, de Vincent Lindon e muito pouco ou nada dos restantes atores amadores .

Por Edusilva (QUINTA DO CONDE)

Nina Hoss nas Estrelas, 2016-08-30

Barbara é mais um filme alemão de grande qualidade que tem como pano de fundo a repugnante ex-RDA, tal como Good Bye Lenin e A Vida dos Outros. Mas é sobretudo uma grande história de amor que vai surpreender a protagonista, a médica Barbara Wolf, que ambicionava passar para a RFA para junto do seu homem, mas que pouco a pouco, subtilmente, se vai apaixonando pelo seu colega André da clínica de província junto ao Báltico onde se encontra desterrada por ter sido presa política, ainda se encontrando sob apertada vigilância. Não sabemos exactamente porque esteve Barbara presa, tal como não saberemos muitas outras coisas neste filme, sóbrio como poucos. Essa extrema contenção dos protagonistas confere ao filme uma invulgar credibilidade, por reflectir simultanemanente o ambiente opressivo da ditadura e o nível cultural e intelectual das personagens, médicos. Em boa verdade, Barbara é um dos únicos filmes em que as personagens são médicos e em que acreditamos nessa realidade, mesmo com a grande depuração formal ou abstracção a que Christian Petzold deitou mão, que chega a evocar o imenso Robert Bresson e a sua arte do cinematógrafo. E é isso o que de mais belo é conseguido em Barbara, a arte de não mostrar nada. No belíssimo campo/contra-campo final de Barbara e André, em que sabemos ou sentimos antecipadamente o que vai acontecer, é o amor e só o amor daqueles dois que triunfa sobre tudo o resto. Um filme magnífico, a que creio que só a crítica soube dar o merecido valor, talvez por não ser "popularucho".

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Um Filme Castanho, 2016-08-30

Vinte anos passaram desde que Trainspotting foi rodado, e sem dúvida que ele envelheceu, mas não ao ponto de se tornar anacrónico. O grande desempenho de Ewan McGregor continua sendo um grande desempenho, e continuamos a oscilar entre o riso e o asco. Também o monólogo interior de Mark, sobre o que fazer da sua vida e se esta vale a pena, ou se o melhor mesmo é "meter para a veia" ou adoptar outros comportamentos destrutivos e procurar satisfações imediatas, mantém a mesma relevância do que nos anos noventa. Já por aqui critiquei duramente o cinema britânico, mas este filme é uma das excepções que importa conhecer, quem sabe se por ser escocês, e não inglês! E como demonstração da sordidez da toxicodependência e dos círculos em que ela se manifesta, continua sendo um excelente exercício, precisamente pelo seu tom de comédia: a brincar, a brincar, se vão dizendo umas verdades.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Berlim na Viragem do Milénio, 2016-08-29

Por vezes acontece isto que aqui temos em Lola Rennt, um filme que é verdadeiramente diferente e único, e ao mesmo tempo, como poucos, um representante imaculado da época que o gerou, o fim do segundo milénio no caso. Tom Tykwer acertou na 'mouche' com esta obra, em que tudo corre bem para ele, começando pela protagonista, a actriz Franka Potente, rapidamente fugida para os EUA, onde lhe perdi o rasto, dada a mediocridade congénita da indústria do cinema actual nesse país. Voltando a Lola Rennt, considero que o filme é sobretudo um magnífico exercício sobre o próprio cinema, sobre o acaso, sobre a fragilidade da vida e ao mesmo tempo sobre a força de viver. Nunca me saiu da retina até hoje a imagem de Franka Potente correndo pelas ruas da moderna Berlim reunificada, há nelas uma força que poucas vezes o cinema conseguiu. Por isso pedi agora o disco, para matar saudades!

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

O Vento Sopra Onde Quer, 2016-08-18

Referi no comentário que fiz ao filme L'Argent de Robert Bresson a pena que era a Cineteka só dispor desse título dentro da obra genial de Robert Bresson. Essa observação já está desactualizada, pois a Cineteka conseguiu juntar mais este DVD com "Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut", o segundo filme de Robert Bresson depois de este ter definido por completo o seu "cinematógrafo", e a sua quarta longa-metragem. Pela segunda vez, mas não pela última vez, Bresson mergulha no universo carceral, aqui numa imersão quase total, visto que o filme se passa praticamente todo numa prisão famosa de Lyon, usada pelos nazis durante a ocupação, e de onde a fuga era considerada "impossível". Logo a declaração inicial do próprio realizador é cristalina sobre aquilo ao que vamos, diz ele "esta é uma história verdadeira, e eu conto-a tal como ela é, sem ornamentos". Fá-lo porque o filme se baseia na fuga real de um oficial francês dessa prisão em 1943, o comandante André Dévigny, que passou a escrito a sua aventura de vida ou de morte. O personagem inspirado nesse oficial é o tenente Fontaine, resistente francês aos nazis aprisionado e mais tarde condenado à morte, que já com esse estatuto, de condenado à morte na eminência do fuzilamento, consegue enfim levar a cabo a sua meticulosamente planeada fuga. Verdade é que Fontaine não pensa noutra coisa que não seja em fugir desde que é capturado, e que dedica cada instante a esse projecto. Mas começa por falhar uma fuga sozinho da viatura policial, tal como muitos outros sonham e tentam fugir também daquela prisão de Montluc, e falham. Fontaine vai conseguir porquê? Aqui entramos na dimensão religiosa do filme, e este é um dos filmes mais abertamente religiosos de Bresson. Fontaine vai trabalhar apaixonadamente para a sua fuga, para a qual tudo à sua volta misteriosamente se conjuga, mesmo quando parece fazer o contrário. É àquele homem, ao tenente Fontaine, e não a outro qualquer, que é concedida a Graça da salvação. Os filmes de Robert Bresson até Au Hasard Balthazar (1966) são todos eles filmes de manifestação vitoriosa da Graça, dádiva e prova de Deus para os crentes. Desses seis filmes para mim não há nenhum em que essa invisível presença se sinta com mais constância e de forma mais ardente do que em Fugiu um Condenado à Morte. Quando no final Fontaine e Jost caminham apressados e livres pela estrada, não poderemos deixar de sentir neste filme do despojamento mais radical, essa outra presença. Estamos perante um dos mais belos filmes do mundo.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Uma comédia de ficção muito especial, 2016-08-16

É um filme de ficção sobre um (anti-) herói da Marvel e ao mesmo tempo uma comédia com um humor muito crú que penso, não ao gosto de todos. Eu pessoalmente gostei muito.
Tem muita acção, os efeitos especiais estão muito bem realizados e o argumento não perde interesse ao longo do filme e é coerente.

Por Mário Silva (CHAVES)

Errata, 2016-08-15

Queria corrigir a frase final de Lillian Gish no meu comentário de ontem sobre este filme, deveria ter escrito "life is hard for little things", e não "live is hard for little things". As minhas desculpas.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Esgravatando um Pouco..., 2016-08-15

Aqui temos um dos Polanskis mais recentes, versão filmica da peça de teatro da consagrada Yasmine Reza, Le Dieu du Carnage (O Deus da Carnificina). A peça, talvez uma sátira, não é a melhor de Reza, mas Polanski aproveita-a muito bem, trabalhando com um grupo de actores excelentes. Do encontro do casal Alan e Nancy Cowan com o casal Michael e Penelope Longstreet, em Nova Iorque, provocado pela agressão brutal com um pau do filho dos primeiros a um dos filhos dos segundos, vai resultar uma imparável progressão de "lavagem da roupa suja", não só entre os dois casais, mas dentro dos próprios casais. A compostura inicial de pessoas maduras super-civilizadas vai-se erodindo a cada minuto que passa, e o "Deus da carnificina" que dorme debaixo de cada ser humano toma conta da casa dos Longstreet por entre o vomitado de Kate Winslet (Nancy) e o whisky. A peça e o filme não dão respostas, levantam questões ao espectador sobre os seres humanos modernos e suas relações.

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

A Menina Quer Ir à Escola!, 2016-08-14

Para quem tiver um fraco por filmes dramáticos com crianças de cinco anos de idade, este vale bem uma espreitadela. Perdoamos mais facilmente os seus defeitos depois de sabermos que foi feito por uma iraniana que nem 20 anos de idade tinha completado, e que mesmo assim conseguiu emocionar-nos enquanto denunciava a guerra e a opressão com todo o vigor, através dos seus efeitos na vida das crianças. A sua "estrela", a menina que faz de Bakhtay, é um achado e é soberbamente aproveitada pela realizadora, como o foi a pequenina Victoire Thivisol no magnífico filme francês Ponette, mais de dez anos anterior a este. Existe polémica sobre o mal que estes papéis podem causar às crianças que os desempenham, mas eu não estou minimammente convencido de que tais alegações sejam mais do que pieguices. Como diz a fada Lillian Gish na obra-prima A Noite do Caçador, "live is hard for little things".

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)

Venha Conhecer Jéssica!, 2016-08-07

Este é mais um filme que não fui ver em sala, mas que vale um visionamento, não como manifesto político-social, mas como história humana passada no meio da alta burguesia paulista, meio esse iteradamente abordado pelo cinema brasileiro - ocorreu-me rapidamente o magnífico filme documental Santiago, esse sobre um mordomo de carne e osso, e não ficcional como Val de "Que Horas Ela Volta". O que há de melhor neste filme é o amor às personagens da sua criadora e autora, e de todos os actores, com destaque para Regina Casé e Camila Márdila. Vamos conviver em casa e em S. Paulo com pessoas, com situações e com problemas inesperados, surpreendentes e em que podemos acreditar, e isso foi conseguido por Anna Muylaert. A jovem filha de Val, Jéssica, grande criação da jovem actriz Camila Márdila, funciona no filme como pivô que vem fazer abanar a sua mãe, mas antes disso a casa dos patrões toda. Ao contrário do "anjo" exterminador da fábula Teorema de Pier Paolo Pasolini, nesta casa dos patrões não estava todo o mundo pronto para a rendição, e enfim Bárbara, a patroa, despacha a invasora para o seu lugar de filha da criada. Nós espectadores não podemos deixar de amar e de nos rever de alguma maneira em cada um destes personagens. Foi pena que o final do filme fosse tão irrealista, talvez em favor do romantismo ou do politicamente correcto, como também aponto como grave problema e obstáculo para os espectadores portugueses a língua que falam muitas vezes as personagens, que supostamente é o "português". Justificava-se a legendagem parcial do filme. Para quem acredita que o português alguma vez será uma língua "unificada", veja este filme!

Por Pedro Fernandes (PAçO DE ARCOS)