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Muitos filmes de grande qualidade não têm o destaque que merecem, passando quase despercebidos. Por razões meramente económicas, as verbas promocionais concentram-se apenas em meia dúzia de títulos "mais comerciais". Para contrariar esta tendência, criámos este espaço de partilha e entre-ajuda, onde todos podem participar: escolha os filmes que achou mais marcantes e deixe o seu comentário.
Foram encontrados 23 comentários. Resultados de 1 a 20 ordenados por data:
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Até ao Inferno (Pontuação: 9)
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ATÉ O INFERNO (Arraste-me para o Inferno), 2011-01-10
Após quase três décadas e uma restrição em curso no leme da concessão do “Homem Aranha”, Sam Raimi chamou alguns demônios longo-dormentes dos seus próprios, e fez um retorno triunfante a suas raízes com “Arrasta-me para o inferno”.Um filme estilo terror-suspense, sem derramamento de sangue, mutilações, enfim um clássico que nos lembra a serie de filmes “Lendas Urbana e Uma Noite Alucinante”. Tem um aspecto antigo e meio nostálgico. Todo o roteiro foi escrito por Sam Raimi e seu irmão Ivan, e se apóia numa afirmação que é bastante conhecida: a de que a nossa vida é uma conseqüência de uma série de escolhas e decisões. Todas as provações pela qual a protagonista Christine Brown é decorrente daquilo que ela escolher fazer. Para cada ação e gesto, Christine terá uma reação. E isso será fundamental para selar o seu destino na obra. O roteiro também toca em outros pontos como a ambição e a competição – características que são bem peculiares da cultura norte-americana. Na primeira cena observamos as tentativas inocente de um menino hispânico ser jogado de um balcão e ser inteiro engolido por uma falha impetuosa na terra, o próprio inferno. Dá para imaginar tal destino espera Christine (Alison Lohman). Christine vem de origem humilde e namora um professor universitário (Justin Long) oriundo de família rica e ela trabalha na área de empréstimos de um banco. Está claro que ela é muito esforçada e vem se dedicando com afinco à oportunidade de ser promovida à assistente da gerência. Porém, para tanto, Christine tem que demonstrar certas capacidades e, ao recusar o pedido de extensão do financiamento da casa da misteriosa Sra. Ganush (Lorna Raver), uma mulher adulta com um olho cego, unhas decrépitas e uma atitude relaxado à higiene pessoal. A Sra. Ganush implora a Christine por uma extensão em seu empréstimo hipotecário, e Christine, de encontro a seus próprios princípios, nega a renovação da hipoteca fazendo à cigana raivosamente não satisfeita. Christine depois encontra um receptor azarado de uma praga aciganada. De acordo com uma consulta com um conselheiro espiritual - quem ele mesmo é chocalhado um pouco por o que vê - Christine terá três dias de tormento. Após isso, ela será reivindicada pelo “Lamia”, um demônio do inferno. Todos os sustos são estilo explícito usual de s, para baixo como o "Lamia", considerado somente na silhueta do cartunista, e sua forma é uma homenagem direta a Jacques Tourneu - 1957 de s; “Noite do Demônio”. A jovem, vê sua vida se transformar num verdadeiro inferno. No entanto, a obra (mesmo alternando bons e maus momentos) fica na nossa mente por estar sempre querendo nos surpreender – e, em tempos em que o cinema anda cada vez mais previsível, isso é algo a se celebrar. “Arrasta-me ao inferno”, é um dos filmes mais agradáveis do ano. Com esta seguinte analise do site que agrega o maior e mais respeitável grupo de críticos do mundo: ”Sam Raimi retornará à sua melhor forma com Drag Me to Hell, um assustador, hilário, passeio de emoção deliciosamente exagerado.”, recebeu a nota 9,2. Nota: 9,0
Tetro (Pontuação: 9)
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TETRO, 2010-12-26
Pense em Coppola e sagas grande família são o que vêm à mente. Aqui, ao contrário dos filmes O Poderoso Chefão, a violência é em grande parte mantida na cena (mesmo que os irmãos acabem de muletas). A dinâmica, no entanto, permanece praticamente os mesmos. O roteirista e diretor é afastado na sondagem rivalidade entre irmãos e as tensões entre pais e filhos. Para todas as excentricidades de um roteiro que parece ter sido escrito sobre o casco, Tetro no seu melhor tem algumas de mesma intensidade emocional que fez aquele encontro igualmente preocupante entre os membros da família Corleone tão memorável. Apaixonante, cativante. Buenos Aires e La Boca são os palcos do drama? Preto e Branco é o filme, cujas imagens do passado são coloridas. Com alma límpida e um sorriso devastador de Alden Ehrenreich. Coppola goza de sua liberdade e assim como nós. Na base de tudo, um melodrama suculento, mas o mestre voa sobre ela com um entusiasmo incansável e juvenil. Vincent Gallo parece um pouco de uma escolha estranha para o papel-título e na verdade eu só descobri que Matt Dillon era suposto convidado para o papel. Certamente teria acrescentado o romantismo ea sensualidade que percorrê-lo, mas, não importa. Alden Ehrenreich como Bennie é, simplesmente, fantástico. Maribel Verdu outro se destacam como Tetro está amando, se companheiro longo sofrimento. Karl Maria Brandauer é horrivelmente perfeito, um personagem que emana o tipo de fama deboche e ego podre pode proporcionar. "Há espaço para apenas um gênio nessa família" Vi o filme ontem à noite e não me deixou por um momento. Eu não posso esperar para vê-lo novamente. A semana de seu aniversário de 18 anos, Bennie, que é um garçom em um cruzeiro, tem uma escala em Buenos Aires. Ele procura seu irmão, Tetro, a quem ele não vê há anos. Tetro, que vive com Miranda, ele mantém indiferença em relação a seu irmão, apresentando-o como um "amigo", se recusando a falar sobre sua família. Pensamentos voltados no passado de seu pai lançaram uma sombra sobre os dois irmãos. Quem é ele, e que passado Tetro deixado para trás? Bennie encontra páginas do romance inacabado Tetro, e ele empurra os dois para saber sua própria história e se tornar uma parte da vida de seu irmão novamente. O que pode vir de Bennie está nascendo? Alguns erros de geografia são logo notados: Tetro e Benjamin demoram um dia para viajar de carro de La Boca, Buenos Aires, a Al Calafate para o Festival da Patagônia. A distância atual é 2,900 km e exigiria (segundo o Google Maps) em torno de 35 horas de condução contínua em menos do que perfeito estradas argentinas. Além disso, antes de entrar Al Calafate eles visitam Glaciar Perito Moreno que é outra a 70 km. Nota: 9,0
Solomon Kane (Pontuação: 10)
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SOLOMON KANE, 2010-07-16
Solomon Kane é membro da aristocracia inglesa, e no século 17, é banido da terra por seu pai, tornando-se pirata/corsário dos mares. A história tornou-se um filme de J. Bassett, na adaptação do livro de Michael Robert E. Howard. Um puro, simples (o melhor, a maneira mais honesta) filme de aventura não foi concebido para apelar a vários dados demográficos, não começa a distorcer as histórias literárias e HQ, ou têm muita coisa em forma de romance. Um filme muito na veia da série A Múmia, mas com um lado mais adulto e sombrio. É apenas um maldito, e exímio lutador com espadas, cortando seu caminho através de hordas demoníacas dos homens maus de impedi-lo de encontrar o feiticeiro do mal que detém a chave para salvar sua alma imortal. Assim como as adaptações de Robert E. Howard outra, mais famosa criação de Conan, o Bárbaro, Solomon Kane é incessantemente escuro: é assustador, sujo e violento por completo. Ao mesmo tempo, no entanto, tem uma inocência realmente encantadora. Muitos gostariam de ver Solomon Kane ou algo parecido a cada duas semanas, para assegurar um suprimento constante de filmes de aventura bem trabalhado, filmes piratas, filmes explorador da selva, filmes de espadas, gêneros que são largamente ignorados, para nosso prejuízo. Ausência completa do filme de ironia, a sua falta de necessidade de "pôr uma rotação fresca" em um gênero antigo é refrescante e um puro prazer. Solomon Kane é a prova que precisa apenas de cineastas que, como o material e um elenco que pode atuar. James Purefoy está perfeito como o puritano, perturbado assassino, e o resto do elenco, incluindo veterinários Pete Posthlewaite e Max Von Sydow. Os efeitos são usados com moderação, mas para efeito espetacular, a confiança dos cineastas em suportes físicos em jogos incrivelmente detalhados é outro prazer nostálgico. Gostaria de receber uma seqüência deste filme, embora isso possa ser esticar a trama um pouco demais, embora não a obra-prima do Senhor dos Anéis, mas certamente uma boa história medieval. Considerando como muito criativo da composição e trabalho de design está no filme, e realmente é muito marcante, ele vem como algo de um choque de ver um demônio do fogo, certos virar-se para a final. Ela cumpre todas as expectativas que você jamais poderia ter para um filme de ação-aventura, e se você não gosta do gênero, então vê-lo apenas para a beleza da coisa. Eles têm um elenco muito bom e os efeitos especiais foram ótimas. Eu penso que é uma das melhores cenas de esgrima desde o filme Highlander. Nota: 10,0
Os Substitutos (Pontuação: 8)
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OS SUBSTITUTOS, 2010-05-24
Adaptado do romance gráfico de 2006, “Os Substitutos” (The Surrogates), a realização do filme preserva uma qualidade nitidamente ilustrado com o material e mantendo um tom de mistério e ficção. É um quadro bonito, fortemente fotografado com toques de fantasia curiosa e bom pelos numerosos efeitos especiais. No futuro, a sociedade irá empregar o uso de substitutos, maquinas robóticas que são enviados para exercer a atividade diária. Eles são a versão ideal do usuário, com aparência suave e indestrutibilidade próxima. Quando um substituto importante é morto com uma arma especial militar, o agente do FBI Greer (Bruce Willis) é enviado para investigar. Encontrar a pista que leva a uma comunidade de seres humanos que optaram por viver a vida com a sua própria carne e sangue, supervisionado pelo Profeta (Ving Rhames). O Agente Greer entra na cidade proibida, só para assistir o seu substituto destruído. Agora sem a sua reserva para o mundo exterior, Greer é forçado a interagir com uma população substituta ameaçadora, incluindo sua ex-esposa, Maggie (Rosamund Pike). “Substitutos” é sem dúvida, uma falha de ignição para o cineasta, mas é uma falha interessante, salpicado com algumas seqüências memoráveis e uma adequada, oportuna mensagem de destacar a aceleração da queda social. Apesar de ambicioso, o ritmo está fora nesta imagem, mancando, com as impressões digitais de estúdio de interferência grave, borrando o filme desde o início. Embora cheio de personagens coloridos com abundância em suas mentes, a história foi reduzido ao mínimo essencial da ação e enigma. É um filme imperfeito, mas longe de ser insuportável. Nota: 8,0
Shutter Island (BLU-RAY) (Pontuação: 10)
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A ILHA DO MEDO, 2010-05-24
O trabalho diretivo de Martin Scorsese é simplesmente fenomenal. O icônico cineasta exteriorizou na perfeição uma intrigante história sem nunca descurar nas vertentes técnicas, ou seja, ele explorou habilmente o argumento, mas sempre se preocupou com os pormenores técnicos que acompanham essa exploração exaustiva da história, como por exemplo, as seqüências ilusórias do protagonista são extremamente significativas e os cenários obscuros e decadentes alimentam e acompanham a incerteza da narrativa e o espírito da instituição. O cineasta também demonstrou uma atenção especial para com a capacidade intelectual do espectador ao não explicitar a história de uma forma concreta e conclusiva, obrigando o espectador a procurar as respostas por ele próprio. O elenco é qualitativamente liderado pela excelente desempenho de Leonardo DiCaprio, um ator que se aproxima cada vez mais de um nível de excelência. O protagonista é assombrado por um passado traumático que o interliga com a instituição que investiga assim se explica as inúmeras hipóteses teóricas que nos apresenta e que nos deixam na dúvida sobre o que é verdade e o que é uma invenção, assim sendo, nunca temos certezas absolutas ou irrefutáveis sobre quem é o vilão ou quem é o herói da história porque o próprio interveniente principal não é muito fidedigno porque também nos apresenta uma extensa história de violência. Ao fantástico ambiente de suspeição e de incerteza que é levantado e continuado pelo argumento, ambiente esse que é constantemente alimentado por cativantes reviravoltas e criativas suposições também se junta às fantásticas abordagens intelectuais sobre as conseqüências psicológicos que os traumas têm na estabilidade mental dos indivíduos, uma abordagem que é especialmente efetuada nos últimos momentos de “Ilha do Medo”. Mark Ruffalo e Ben Kingsley abrilhantam o elenco secundário com excelentes interpretações individuais, mas é o último que arranca os maiores elogios porque tanto nos convence como vilão ou como herói. A dúvida e a paranóia dominam a história desta produção que nos oferece uma conclusão que é bastante lógica, mas que certamente surpreenderá os espectadores. Nota: 10,0.
Ninja Assassino (BLU-RAY) (Pontuação: 9)
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NINJA ASSASSINO, 2010-05-24
Raizo (Rain) é um dos assassinos mais temidos do mundo. Tirado das ruas na infância, foi treinado pelo clã Ozunu - um grupo secreto cuja existência em si já é considerada uma lenda - para ser um assassino exímio. No entanto, a execução sumária de seu amigo faz com que Raizo volte-se contra o grupo, aguardando o momento da vingança. De acordo com McTeigue, o filme tem influências de diversas obras, destacando-se "Panic in the Streets" (1950), "The Getaway" (1972), "Badlands" (1973), "Ninja Scroll" (1993), e a série de tv "Samurai Champloo" (2004-2005). Diversos recursos e armamentos utilizados pelos ninjas são vistos nas cenas de ação do filme como: as estrelas de metal (Shurikens), a munhequeira com garras afiadas, entre outros. O elenco tem ainda Naomie Harris, Ben Miles, Rick Yune e o ícone japonês dos filmes de ninja dos anos 80 Sho Kosugi, como o cruel líder do clã. Antes de se tornar ator, Rain lançou-se para o estrelato através da música, da dança e da moda. Tendo sido o primeiro sul-coreano a juntar 40 mil pessoas num concerto no Japão. O papel feminino no filme é de Naomi Harris, uma mulher que já tinha demonstrado dotes de luta em "28 Days Later", onde lutava de catana na mão contra bandos de zombies. "After the Sunset", "Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest" e "Miami Vice", foram outros dos filmes onde se destacou. Os ninjas, conhecidos por fazerem parte de organizações secretas que habitavam províncias no Japão desde os séculos XIV e XV, são praticantes de uma arte marcial japonesa conhecida como Ninjutsu. Tratando-se de um filme com o selo dos Wachowski "The Matrix", as expectativas são sempre elevadas. É inegável que a tecnologia que utilizaram e as sequências de luta criadas, criaram uma geração de filmes descendentes onde o bullet time era o elemento maior. Um filme para os fãns de lutas marciais, é impecável em sua coreografia e movimentos. Extremamente violento, mas que atingirá o alvo dos aficionados do gênero. Nota 9,0
O Sítio das Coisas Selvagens (BLU-RAY) (Pontuação: 4)
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O Sítio das Coisas Selvagens, 2010-05-24
A recepção ao filme foi geralmente favorável por vários críticos conceituados. Mas, por onde começar. Resposta curta, evitar essa situação e salvar seu dinheiro. Assisti com grande esperança de ser um grande filme com base no trailer e, utilizando vários termos, visto os valores utilizados nas livrarias que assumiram que a fama era justificada. Fiquei surpreso ao descobrir que o livro é tão frágil em relação à história que nunca deveria a ser filmado. Mesmo com as extensões que a equipe de produção introduziu. Infelizmente, o trailer foi melhor do que o próprio filme. A entrega inútil tedioso de um livro clássico. Dark ameaça e criaturas idiotas e um menino rebelde que o comportamento deve ser fundamentado por um ano. O filme não é exatamente de ir a lugar algum, exceto decepcionar. Qualquer tentativa de fazer um filme de Maurice Sendak filhos delgado do clássico – particularmente um que tem 10 vezes mais tempo para assistir do que ler o livro – não vai agradar a todos. Não importa o quão fiel experiência à tela é a da página impressa – uma mistura cativante de sentimentos e impulsos que podem colorida conversar com qualquer criança interior – não há como contornar o fato de que mais será menor no momento do fechamento do rolo de créditos. Você pode perceber enquanto assistiar Onde Vivem os Monstros, que o diretor Spike Jonze sabe que ele é finalmente condenado ao fracasso. Mas ele não colocar um inferno de uma briga antes do conquistador, a economia eclética de ganhos Sendak é a visão do lado superior. O cartão de visita do filme é a facilidade com que ele entra na cabeça de seus nove anos de feisty-protagonista de idade. O tema é sobre Max (Max Records) está se sentindo sozinho no mundo. O mundo real, isso é. Os personagens são: Carol, o mais impulsivo e carismático dos Monstros. Ira e Judith uma tarefa simples, delicado de falar e seu infortúnio “agressivo” namorada. Alexander um cabra-como coisa selvagem, que é constantemente ignorado, menosprezado e maltratado. Douglas um pássaro-como guardião da paz que é a melhor amiga de Carol. Bernard, um animal calmo e intimidante que a maioria guarda para si mesmo e doesnt mesmo falar até o fim do filme. KW o solitário do grupo cujas partidas constantes irritam Carol muito como ele quer que todos eles para ficar juntos. Filme bonito visualmente, mas séria falta de enredo e de substância. Pensei que esse era um pouco assustador e ameaçador para as crianças. É difícil adivinhar se muitas crianças irão desfrutar do filme. Pesada, às vezes, ele provavelmente poderia ser de 15 minutos mais curto e não possui um senso real de perigo mortal. Há também, por vezes, uma tentativa de valer-se de para sentir a correspondências entre a ilha e a aventura da vida real de Max com sua mãe e sua irmã, como previsto nas cenas de abertura. Mas Onde Vivem os Monstros procura destacar sua evocação potente do timbre da infância imaginando, com sua combinação de outré e o banal, grandes esquemas confundidos com sentimentos delicados e ao desejo de quebrar as coisas. A história simplesmente não faz sentido. Nota: 4,0
A Duquesa (Pontuação: 7)
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A DUQUESA, 2010-05-03
Se o roteiro é um amontoado de clichês, com um fim bastante previsível (apesar de ser baseado em uma história real), o bom elenco não consegue segurar uma direção arrastada e a desnecessária quantidade de cenas que servem apenas para pontuar posições dos personagens, sem acrescentar nada ao filme. Provavelmente “A Duquesa” ira concorrer em categorias menores ao Oscar (figurino, fotografia), mas dificilmente terá força para ir mais longe que isso. Com pouco mais de 1h40 de duração, o longa tem aquela cara de Sessão da Tarde, sendo recomendado para os amantes de história inglesa ou para quem gosta de belas paisagens e figurinos. Talvez sejam o rosto meigo, os traços delicados, o sorriso doce. Fato é que a inglesa Keira Knightley conquistou o posto de mocinha de todos os bons filmes de época feitos recentemente, ganhando papéis que vão da esperta heroína de Jane Austen em “Orgulho e preconceito”, passando pela história do Rei Arthur e chegando ao posto de Duquesa de Devonshire. “A Duquesa” conta a história de Georgiana Spencer, que ganhou o sobrenome Cavendish após casar-se em 1774 com William Cavendish (interpretado no filme pelo ótimo Ralph Fiennes). Não é uma daquelas histórias de amor; é antes um retrato violento e realista de um sistema rígido e preconceituoso (especialmente em relação às mulheres), onde cada peão se move usando todas as possíveis, aceitáveis ou inaceitáveis, armas. Pela fidelidade da história, a beleza das paisagens e vestuário, vale uma nota 7,0.
O Leitor (Pontuação: 10)
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O LEITOR, 2010-05-03
Um Jovem estudante na Alemanha Oriental em 1958, Michael Berg (Kross), com apenas 15 anos, conhece por acaso a enigmática Hanna Schmitz (Kate Winslet) ao ser ajudado por esta quando passava mal em função da febre escarlatina. Depois de curado, ele procura a mulher para agradecer pelo auxílio e quando se dá conta, já está na cama com sua benfeitora, que, bem mais velha (35 anos), o apresenta às maravilhosas possibilidades do sexo. Apesar de viverem muitas tardes repletas de sexo, o momento mais íntimo dos dois é quando o jovem lê para sua musa, clássicos da literatura que pega na escola. A relação acaba se consolidando neste binômio sexo/livros em que os dois têm muito que aprender. Apesar da dupla se mostrar envolvida por completo o romance não dura mais de um verão. Os dois tocam suas vidas sem esquecer o que viveu até que o destino os coloca frente a frente. Estudante de direito, Michael viaja com a equipe de debates para assistir o julgamento de mulheres envolvidas com o assassinato de 300 judias em Auschwitz. Para a surpresa do jovem, Hanna é uma das mulheres que está sendo julgada. Se a primeira metade do “Leitor” é erótico e sensual, com corpos nus em vários estados de repouso e apaixonada vida amorosa, o segundo semestre se torna cada vez mais anti-séptico, um exercício de filosofia e moral e culpa. Construído em torno de Kate Winslet da enigmática Hanna, esta encenação impecavelmente, matizada drama não é facilmente esquecido. É o tipo de filme que você vai ter o seu questionamento, reações e é uma peça de hábil manipulação emocional de Billy Elliot e do Diretor Stephen Daldry. Kate Winslet é a verdadeira força que levanta um filme com um conceito provocativo, mas desiguais execuções, para se tornar um drama absorvendo cerca de conciliar uma nação do passado. Uma viciada mistura de tema alemão “Sumer of’42″. Embora o Holocausto não seja o foco central de “The Reader ‘, ele tem em cada cena deste filme, atos sobre segredos, decepção e redenção. Kate Winslet devidamente ganha seu Golden Globe e o cobiçado Oscar. Nota: 10.0
Julie e Julia (Pontuação: 6)
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Julie e Julia, 2010-04-07
A história é uma boa. Na década de 1960 Dominando a Arte da Cozinha Francesa foi um acontecimento na publicação do livro de receitas. Ela representou a rejeição da Bíblia cozinha reinante para jovens mulheres americanas, a Irma Rombauer do Joy of Cooking, que livro e autor são alvos de uma ligeira cena do filme. Há um pouco de arrogância social neste despejo da carne assada em favor do “canard pâté en croûte”, e a visão de Paree pós-guerra como libertador poderia ser descrito como de olhos arregalados. É dizer que - ao contrário da conhecedora Elizabeth David, com fome de “terroir “- Child saúda a notícia de que ela poderia ter para viver em Marselha, com horror. Que dominar mais uma vez busca no best-seller é uma homenagem à terapia fábula transmitida pelo filme, desde que o livro é realmente uma relíquia da era em que os homens vagavam para a cozinha para oferecer encorajamento e louvor, enquanto os convidados estavam Gathering. In My Life na França, o livro de memórias que ela escreveu com seu sobrinho, uma criança desajeitada e mal humorada sobre tropeço na escola Cordon Bleu, de modo a ter "alguma coisa para fazer", enquanto seu marido colocar em exposições que promoveu entendimento franco-americano. Amy Adams como Julie Powell, por outro lado, um duende rabugento. Muito se diz - e é verdade - do poder de cura da cozinha contra as dores do weltschmerz. Mas a mensagem subjacente é “creepier”: que ajudando os nova-iorquinos para a mudança é tão idiota e muito menos estiloso o seu caminho para a fama e fortuna na parte de trás do livro de Julia Child. Nota: 6,0
Lua Nova (Pontuação: 4)
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Lua Nova, 2010-04-07
Apesar das varias criticas já existentes, eu gostaria de postar uma analise do filme por dois ângulos diferente. Sei que é simplesmente terrível ter que escrever uma crítica negativa sobre qualquer filme que seja (é triste ser obrigado a constatar que duas horas de sua vida foram desperdiçadas). Muitas pessoas parecem acreditar que o crítico adora falar mal das obras analisadas, pois isso o faz parecer mais refinado, exigente – e, conseqüentemente, mais entendido do assunto do que o público médio. Escrever sobre cinema e algo realmente edificante: além do estímulo intelectual proveniente do simples redigir um texto, é uma oportunidade que tenho de assistir às obras em foco a partir de um segundo ponto de vista. Bem, sobre o primeiro ângulo podemos constatar que o filme LUA NOVA, recebeu críticas desfavoráveis por maior parte dos críticos de cinema, mas o filme foi votado como o "filme preferido de 2009" na Moviefone e foi bem recebido pelos fãs, em sua maioria jovem. É um filme de fantasia americana romântica baseada Stephenie Meyer 2006, novela Lua Nova. É o segundo filme da série cinematográfica The Twilight Saga, e é a continuação de 2008 do Crepúsculo, que também é baseado no romance anterior de Meyer. Elegância visual través do diretor de fotografia Elliot Davis enfatizou o território Noroeste arborizadas como uma das maravilhas naturais da puberdade, onde a heroína Bella Swan (Kristen Stewart) inquieta emergiu. Hardwicke deu fadas ao conto gótico, uma representação idealizada da tensão adolescente universal. Agora sob o segundo ângulo, o filme Lua Nova, narra a história de um amor entre uma estudante e um vampiro, a personagem Bella Swan envolve as pessoas para a sombra de seus pesadelos, que a fazem acordar deprimida. Se perguntássemos a ela “o que deseja da vida”, certamente não receberíamos uma resposta firme. Ela não examina a situação com bom senso. Mergulhar num precipício, sem necessidade e sem conhecer o valor da vida. Tudo o que ela faz é de maneira a não querer enxergar a realidade, buscando o impossível. Invés de buscar uma saída para seu dilema, estabelecendo objetivos para sua vida, ela deixa se envolver pela apatia e pelo desinteresse por soluções adequadas, descuidando da casa, dos estudos, dos amigos. Ela foi abusar da amizade de Jacob, o menino lobo. Em Crepúsculo, o heroísmo de Edward arrebata o coração das jovens. Mas em “Lua Nova” tudo é empurrado num ambiente sombrio, onde a essência humana desaparece sob a rotina sem vida e o embrutecimento geral. Será que a “Síndrome de Bella” é o modelo para a nossa juventude? Bella é fruto de um lar desfeito, fica desorientada, e mostra-se uma pessoa incompleta, de total antipatia, incapaz de buscar soluções que não condizem com seu delírio. A própria vida de Bella é uma grande incerteza, mas isso tudo fica oculto na trama. Entendemos que os jovens necessitam e modelos sadios que mostrem o sentido da vida. Na realidade Lua Nova é um filme mal escrito, totalmente sem sal, sem adrenalina, sem emoção. O livro Lua nova é o pior dos quatro já publicados, e o feito da edição do filme, pela maioria dos críticos foi péssimo. E ainda, todo esse drama leva exatamente nada. Nota 4,0
Caso 39 (Pontuação: 9)
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Caso 39, 2010-04-07
A vencedora do Prémio da Academia, Renée Zellweger, brilha neste aterrador thriller sobrenatural sobre uma assistente social a quem foi atribuído o investigar o perturbador caso de Lillith Sulliva, uma jovem com um passado estranho e misterioso. Quando Emily (Zellweger) abre as portas de sua casa numa tentativa de ajudar Lillith, rapidamente tudo se transforma num mortífero pesadelo ao qual poderá não sobreviver. Com a participação de Bradley Cooper, Caso 39 é um “arrepio” de parar o coração, com surpresas atordoantes que levam a um final chocante e sinistro. Nota: 9,0
Por Favor Rebobine (Pontuação: 5)
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Por Favor Rebobine, 2010-04-07
Ao tentar sabotar a rede elétrica, Jerry acaba ficando magnetizado. Ele acidentalmente apaga as fitas de vídeo da locadora onde trabalha Mike. Para recuperar o acervo, os dois resolvem fazer remakes de filmes clássicos. Tudo isto para salvas a locadora de um processo de demolição pela Prefeitura municipal, mas por ser pressupostamente a antiga morada do “Gordo”, um falecido cantor de blues dos anos 30, toda população se reúne para salvar o imóvel, locando as fitas VHS. Os envolvidos nessa enxurrada de cinema a “La Carte”, onde os usuários solicitam um filme, e eles realizam com seus parcos recursos os filmes, a comunidade faz fila para alugá-los. Logo os problemas aparecem com os agentes de direitos autoriais que vão acabar com os negócios de cine a “La Carte”. Tanto os realizadores quando os apreciadores sentirão uma imediata afinidade pelos heróis do enredo. A identificação, aliada a engraçadas releituras de clássicos do cinema, garante a diversão e uma boa quota de risadas. Nota 5,0
O Milagre em Sant'Anna (Pontuação: 9)
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O Milagre em Sant'Anna, 2010-04-07
Abre-se no final dos anos 1980 quando um caixa de banco postal chamado Hector Negrón, com idade avançada que coloca uma bala no peito de um aleatório cliente. Houve talvez uma razão válida para o sua aparentemente inexplicável explosão violenta. O chefe policial em cena coloca um jovem repórter em direção ao assassino e vão ao seu apartamento no Harlem, onde pistas para a identidade do homem apenas vai aprofundar o mistério por trás do crime. O que transparece são várias histórias interligadas que envolvem os indivíduos e da equipe como um todo. Percebemos que para realmente impulsionar esse conceito, Spike Lee insere enlouquecedora uma cena em que os nossos heróis são negados a um serviço de jantar do Sul, enquanto prisioneiros de inimigos de guerra relaxam dentro do bar. Como soldados servindo no regimento 92, Infantaria do Exército - apelidado o Soldados Búfalos – Negrón (Laz Alonso), e seus compatriotas Selos (Derek Luke), Bishop (Michael Ealy) e Comboio (Omar Benson Miller) acabam atrás das linhas inimigas na Toscana (Itália), onde fugir tropas nazistas, por incompetência e arrogância de um capitão branco, e estão protegem uma vila italiana do ataque. "Milagre em St. Anna" conta a história da amizade e de chegar mais além raça e preconceitos, de ajudar um ao outro, no meio de uma guerra. Spike Lee fez de uma guerra, um brilhante filme que engloba muitos elementos, mas consegue envolver-nos com todas as histórias dentro da história que pretende contar. Embora ele tenha seus pontos fracos, é realizada em conjunto pelo seu único ângulo sobre a guerra, bem como uma forte caracterização de seus personagens centrais. Uma lição sobre a história do atraso da indelegável mancha na história americana sobre o conflito dos homens negros forçado a travar uma guerra do homem branco, quando eles realmente preferiam estar a lutar pelos seus próprios direitos civis. Existem momentos de tais indescritível beleza, que nos faz mover lágrimas. Se vocês são pensadores e estão intrigados com a natureza humana, este filme deve ver, independentemente de raça ou idade. Nota 9,0
Chéri (Pontuação: 9)
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CHÉRI, 2010-04-07
Situado em Paris no início de 1900, “belle époque”, Chéri conta a história de um caso de seis anos entre uma cortesã (prostituta de luxo), envelhecida e aposentada, Léa de Lonval (Michelle Pfeiffer) e um homem extravagante e do jovem Fred, apelidado de "Chéri" (Rupert Friend), 19 anos, filho de sua colega, Madame Peloux (Kathy Bates), uma ex-cortesã, perversamente fogoso vivendo da opulência sobre os ganhos de uma amante profissional. Léa e Chéri vão fingir que não existe tal coisa como o amor. Com Pfeiffer, 50, irradiando rara beleza, graça e sentimento, descobre sua fragilidade na história, o amor verdadeiro. Nossa heroína (Michelle Pfeiffer), uma beleza de tirar o fôlego, que vê a sua carreira a chegar ao fim. Com exceção para Stephen Frears nunca faz o mesmo filme duas vezes. O que ele faz é, contudo, deixar absolutamente profissional e imensamente divertidas histórias que prestam especial atenção às personagens, suas falhas, emoções e desejos mais profundos. Léa dá a seu amante jovem uma colar com 49 pérolas. Nós podemos imaginar que há uma pérola por cada ano de sua idade. Seu amante é 24 anos mais novos do que ela. O filme aborda drama romântico, onde foi destinado para ser o único amor perfeito em vidas de cada um. Michelle Pfeiffer continua linda, sem dúvida, mas ela é um buquê fabuloso que está apenas fora de sua flor. Por muitos anos eu pessoalmente a considerei a mulher mais bonita e sensual do cinema. "Chéri" é um filme triste e inteligente sobre a vinda de idade no final da vida, olhando no espelho e se perguntando, "o que aconteceu?". Embora este filme não seja inovador, mas é bonito, com cenários e figurinos luxuosos que dão ao filme um toque visual. Além disso, Michelle Pfeiffer é grande. Chéri é um homem bonito, chocando jovens – mas ligo ao vicio do álcool e ópio- e Lea, intrigado, lhe traz ao seu país de origem (França), como forma de recuperá-lo e prapará-lo para o seu casamento com uma jovem aristocrata. Nas mãos do diretor Stephen Frears e o roteirista Christopher Hampton, esta história de dois amantes ultra-sofisticados torna-se um olhar sincero com as tensões e desafios de uma mulher mais velha da relação homem mais jovem. Para além do esplendor dos espetáculos, a sagacidade do roteiro e da correção da direção, a beleza física do filme faz parte de seu fascínio. Nota: 9,0
Bem-vindo a Zombieland (Pontuação: 8)
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Zumbilândia, 2010-04-07
Alegre e irreverente, ZUmbielandia segue quatro personagens (Jesse Eisenberg's, Woody Harrelson Tallahassee, Wichita Emma Stone, e Abigail Breslin em Little Rock), como eles relutantemente se unir em face de um surto generalizado zumbi. O cineasta Ruben Fleischer infundiu Zombielândia com um ritmo rápido, entusiasmado que encaminha o espectador para dentro do processo, com a química palpável entre Eisenberg e Harrelson, que desempenham um papel fundamental para o sucesso inicial do filme. A dinâmica do filme é uma seqüência da introdução do filme. A natureza anticlímax do final garante que o filme é, inevitavelmente, no seu melhor em seus estágios iniciais, com um de interesse inerente em filmes deste tema. Vale à pena assisti-lo. Nota: 8,0
O Solista (Pontuação: 8)
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O SOLISTA, 2010-03-15
O Solista narra uma história real de vida e se baseia em uma coluna do jornalista do “Los Angeles Times” Steve Lopez, escrita entre 2005 e 2008, e transformado em um livro sobre um homem perturbado desabrigados nas ruas de LA. Levado a tela, explora a relação incomum do jornalista Steve Lopez (Robert Downey Jr) e Nathaniel Ayers (Jamie Foxx), um esquizofrênico músico de rua, que vive em abrigo de rua e se vestindo exoticamente, e mantém-se um fluxo constante de conversa decifrável apenas aos seus próprios ouvidos a maior parte do tempo. Lopez está procurando uma história para preencher a sua coluna. Ao vê-lo na rua, e vendo a forma como ele desempenha seu violino (que tem duas cordas), observa um artista anônimo e descobre que na verdade Nathaniel foi aluno de uma prestigiada escola de musica. Ele é um músico brilhante que uma vez assistiu Julliard antes de sua doença mental destruir sua promissora carreira. Lopez passa a ser não apenas um colunista, ele é também um amigo, conselheiro e psiquiatra carreira para o sem teto. Escreveu uma série de colunas sobre um homem sem teto ele descobriu nas ruas de LA tocando violino, e ganha o prêmio máximo do jornalismo. É uma história sobre como tentar compreender o mundo de alguém, que vive do imaginário. É realmente uma bela história. Mesmo quando o filme fica extremamente lento, é um filme que tem uma grande alma e mantém o espírito em cada cena. Este filme pode muito bem conter uma das melhores representações de esquizofrenia cinematográfica jamais realizada: a tortura com vozes, a claustrofobia, o medo, a frustração, a raiva. Nota: 8.0
Sinédoque, Nova Iorque (Pontuação: 7)
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SINEDOQUE NOVA YORQUE, 2010-03-02
Sinédoque, New York é uma viagem no imaginário do escritor e diretor, Charlie Kaufman, conhecido por seu gosto pelo incomum, mas que desta vez, surpreende com a criação de uma obra-prima quase instantânea repleta de significados, como fúria, solidão, complexidade, dor, perdão, paixão, poesia e amor. Sinédoque (SIH-pescoço) – (DOH-KEE) é uma palavra cujo significado não é essencial para a compreensão do filme. Retrata a vida de Caden Cotard, diretor de teatro, ganhador de um prêmio, que resolve montar uma peça de teatro para contar sua própria estória de vida, cuja construção da peça dura 17 anos. Ele é um homem infeliz, hipocondríaco com reais problemas de saúde: erupções cutâneas, convulsões, olhos secos, tremores e vitima de desordens intestinais. Sinédoque, New York é um enlouquecedor filme intelectual, mas é emocionalmente distante, como se estivessem olhando Kaufman em seus personagens pela ponta errada de um telescópio, e só poderia ver a sua dor. Escritor / dircetor Charlie Kaufman constrói um mundo aparentemente a explorar e, em seguida, sobre o tempo que vai destruí-lo. Presumivelmente, o filme é sobre a decadência humana em suas múltiplas facetas: física, ética, artística. É uma meditação sobre a criatividade, a falha, decrepitude e da iminência da morte. Caden (Philip Seymour Hoffman) é um homem profundamente deprimido. Um suburbano director de teatro, onde é auto-absorvido pelo trabalho, desligado da família, quando sua esposa, uma pintora de mini-quadros (Catherine Keener), o abandona e leva sua filha de 4 anos para Berlim. O roteiro segue mais ou menos para as convenções do realismo. Um filme para os amantes de arte, e conhecedor de teatro e obras cinematográficas. Se você esta em busca de um filme de acção, ficará decepcionado, pois verás uma história 100% dramática. Nota: 7,0
Orfã (BLU-RAY) (Pontuação: 10)
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ORFÃ, 2010-03-02
É um daqueles filmes raros que você, não vê há muito tempo. É um filme policial psicológico? Um filme de terror sobre a possessão demoníaca? Um filme de horror? Ou algo obscuro, mas diferente? Você consegue-me dizê-lo. Desta maneira, “A órfã” é tanto quanto um filme policial de alta tensão, assustador como é um súbito reto-acima do horror. Pelo menos é até que devolva no disparate imediato no ato final. Para aliviar uma dor de Kate (remorso) são atraídos a adotar Esther, oriunda de um orfanato católico de freiras. Uma menina russa de 09 anos, se juntado aos outros dois filhos legítimos do casal. Estranha é sua aparência, pelo estranho vestido, laço na garganta e ornamentações do pulso, ou sua determinação para manterá “mãe” Kate fora do quarto quando ela for tomar banho. Desde que o órfão é um filme de terror, vem como nenhuma surpresa que a pequena Esther tem uma raia sádica: não pensa nada como criança, como um pássaro ferido, ela presta atenção a Kate (Vera Farmiga) e John (Peter Sarsgaard) quando fazem sexo, pratica um jogo potencial letal da roleta russa. Sádica, Esther esmaga um pássaro ferido em frente à pequena sua irmã. Está para vir do pior, para uma prolongada de duração, o espectador consegue ver o traço que está apenas aproximadamente no lado direito da credibilidade, e as situações cada vez mais violentas que envolvem a órfã, são apresentadas com convicção. Os desempenhos são excelentes. Funciona o filme, com o desempenho de Isabelle Fuhrman, como a má Esther, de modo maravilhosamente assustador. Se você planeia ver o filme, não deixem ninguém dizer como termina. Basta dizer que, apesar de algumas cenas com um pouco overdose da ação no final, há os elementos no órfão que são genuìnamente originais, e a originalidade está na fonte curta em Hollywood atualmente, que anda faltado qualidade nos filmes. De fato, é o melhor filme assustador de criança desde o orfanato, e nos termos da qualidade, acima de tais como o Presságio e o Sexto Sentido. “A órfã” é um bastante agradável, feito magnìficamente, súbito do horror com desempenhos ótimos e um certificado agudamente escrito. Escrito do nitidamente, flui no roteiro com incrível desempenho para um filme de terror. Veja-o agora antes que alguém arruíne a sua curiosidade com o filme. Altamente recomendado. Nota 10,0
The International - A Organização (BLU-RAY) (Pontuação: 8)
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THE INTERNATIONAL, 2010-03-02
Tema-chave do filme: "bancos não controlam conflito, eles controlam dívida criada pelo conflito. Você controla a dívida, você controla tudo”. TRAMA INTERNACIONAL, um thriller de investigação em 6 países, que conta com a presença de Clive Owen (o agente da Interpol, Louis Salinger) e Naomi Watts (a promotora Eleanor Whitman) unindo forças para provar que um grande banco privado manipula as leis internacionais para controlar o comércio mundial de armas e os conflitos no terceiro mundo. Reúne sob a brilhante direção de Tom Tykwer por Eric Singer, que é baseada na vida real de corrupção no BCCI (Banco de Crédito e Comércio Internacional ), que se tornou o foco de intensa investigação por parte EUA. e de autoridades britânicas no início da década de 1990 por seu apoio ao terrorismo, tráfico de armas, a venda de tecnologias nucleares, entre outras atividades. O fictício Banco Internacional de Negócios e Crédito é uma global entidade com funcionários que são peritos em encobrir a sombra da organização . Quando necessário, o tribunal pode fazer para o IBBC registros, documentos policiais, e mesmo as pessoas desaparecem. A sua riqueza criada leva o banco a lavagem dinheiro para grupos terroristas e crime organizado. Agora é a licitação para mediar um grande negócio de armas com a China, que fornecem armas ao Oriente Médio a facções militares. O filme é um digno thriller sobre um homem que quer destruir uma organização empresarial do crime organizado que financia terror. Mas, com toda a violência que tem e da atual crise econômica assola o mundo, esta é uma crítica que você não ficará surpreendido. É uma bravura, filmado e editado soberbamente sua seqüência, um filme clássico instantâneo. Uma lição que parece sugerir: é dinheiro que nem sempre é o objetivo, o mais importante é a contração de dívidas. Nota: 8,0
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