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Muitos filmes de grande qualidade não têm o destaque que merecem, passando quase despercebidos. Por razões meramente económicas, as verbas promocionais concentram-se apenas em meia dúzia de títulos "mais comerciais". Para contrariar esta tendência, criámos este espaço de partilha e entre-ajuda, onde todos podem participar: escolha os filmes que achou mais marcantes e deixe o seu comentário.
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Distrito 9 (BLU-RAY)
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El New age de la ciencia ficción., 2010-03-20
Si consideramos en un aspecto general la definición de ciencia ficción como películas en las que visionamos mundos imaginarios, aliens, tecnología de vanguardia y viajes espaciales Distrito 9 es un filme de ficción científica indiscutiblemente. Pero debajo de esta cobertura fina y obvia, Distrito 9 alarga los horizontes de este género creando en su génesis una nueva manera de ver, entender y desenvolver la ciencia ficción. Rompe con clasicismos estereotipados como pocas veces se ha visto en este tipo de filmes. Sólo eso es ya un punto extra para visionar este metraje.

Que el realizador Neill Blomkamp se atreviese a plasmar este sueño sobre una nave espacial sobre su ciudad en su primera obra, ya es arriesgado, pero dar un argumento no convencional y en la misma tónica, hablar sobre el apartheid y la xenofobia bajo esa perspectiva, es único y novedoso.
Otra peculiaridad del filme fue su manera de rodar. Un comienzo televisivo a modo de reportaje como veríamos en cualquier “telejornal”, para después cámara en mano, con un balanceo inquietante de cámara, introducirnos de lleno en un formato documental con imágenes extraídas de su primer corto Alive in Jo’burg y fotos de archivo reales de diferentes agencias de noticias. Sin darte cuenta (porque ahí ya estás completamente enganchado al filme) vuelve a cambiar de dimensión y dirige en líneas clásicas todo el desarrollo increíble del personaje principal, para después de los momentos más álgidos recuperar otra vez la parte documental y televisiva en una perfecta simbiosis en todo el conjunto final. Genio, genio, genio. Un pseudo-documental, dentro de un filme, que a su vez nos es presentado como si fuese un especial televisivo dando un ultra-realismo feroz.
Toda la composición fotográfica fue estudiada para fortalecer el aspecto desarraigado pobre y polvoriento del barrio de lata Sudafricano, rodada en el invierno con un cielo gris y el aire lleno de las cenizas de los distintos incendios que humeaban por todo el gueto. Barrio extinto en la actualidad ya que fue demolido, lo que convierte a este filme en una premonición visionaria de la realidad.
Los efectos especiales que Blomkamp maneja con la destreza acumulada por sus trabajos en series como Stargate y anuncios publicitarios, se manifiestan de una manera relevante en Distrito 9 y se reparten por la cinta generosamente. Dentro de las escenas de acción son impactantes sin llegar a caer en la exageración desmesurada que muchas veces acompañan a este tipo de filme, lo que en sí, es de agradecer. Algunos de ellos son tan milagrosamente bien hechos que causan escalofríos. Parece imposible que esta película tenga un bajo presupuesto como el que tenía, sobre todo si lo comparamos con otros productos hollywoodienses azulados de técnicas altamente desenvueltas pero de pobrezas espirituales y de guión.
Caracterización extraordinaria en lo que se refiere a todo lo que rodea a los alienígenas, en especial al humano-mutante. Ese ojo amarillo te perseguirá buena parte después del visionado del filme. Si bien la estética puede recordarnos ligeramente a Alien o Predator, Blomkamp imaginó a sus originales extraterrestres con bastantes novedades y acierto, personalmente a mí no me produjeron miedo, pero repulsión: mucha.


Si todo hasta aquí ya es extraordinario, que decir entonces sobre el argumento?, pues sencillamente sorprendente. Los invasores técnicamente más avanzados e inteligentes no son invasores, sino víctimas de un lugar en el que se detienen y del que su única esperanza es huir. En 20 años de convivencia\resistencia, se embadurnan de todas las inmundicias y lacras sociales que los seres humanos como un regalo envenenado les ofrecen. Hay escenas dentro del filme que son tan violentas y crueles que más que humanos los hombres parecen bestias repugnantes. Todo lo que esperaríamos o temeríamos de un alien esperpénticamente es invertido hacia la raza humana. Brillante, genial como argumento, pero doloroso si pensamos un poco que esos extraterrestres son en realidad cualquier ser humano que viva dentro de un campo de refugiados actual, en un barrio marginal, o rodeado de una etnia diferente. Todo esto bañado con la sangre derramada de los inocentes que son presas de un sistema político o mercantil, (me da igual que sea público o privado, en el filme es una empresa privada), interesados en que toda esa miseria continúe porque es más lucrativo. Cometiendo crímenes irracionales ante seres que no tienen defensa posible. Intentando exprimir de su ya difícil existencia beneficios y regalías mediante métodos y engaños que van más allá de la deshonestidad. Es como sentir en la cara una bofetada sin mano lo que este guión denuncia y el mensaje que nos transmite.

Muchos son los filmes que sobre este género se han realizado, varios marcaron un antes y un después, comenzando por “Metrópolis” del virtuoso “Fritz Lang”, escalofriante si pensamos que es del 1926, plena en un contenido social, al igual que esta y con unos efectos especiales nada despreciables para su época que incluían un método de rodar con espejos que refractaban la imagen que en ellos se proyectaba para así extender la magnitud de los decorados. La mítica y audaz transformación de un robot en un clone de un ser humano con sentimientos de odio y venganza que es una imagen universal del cine……
“2001 odisea en el espacio” de mi amado “Kubrick”, revolucionando e iniciando la posibilidad del ser humano viajar por el espacio con una técnica y un realismo de cortar la respiración.
“ET, el extraterrestre”, del prolífico “Steven Spielberg” ¿Se puede amar y desear que un alien no abandone el planeta tierra?, Sí, Spielberg nos emocionó sobremanera con esta visión de ternura hacia este mimoso y bajito ser espacial. Yo recé para que no se fuese y lloré también, mucho., a día de hoy aún conservo la esperanza secreta de su posible retorno………
“Blade Runner” del visual “Ridley Scott”, señalizando entre otras muchas grandezas el posible sentimiento que un robot puede llegar a desplegar en una búsqueda más profunda de lo que se puede entrever.
“Matrix” de los hermanos “Larry y Andy Wachowsky” única y extraordinaria en efectos especiales.
Porqué estas cinco?, pues porque cada una de ellas es un marco diferente en tiempos y en estilos pero que fueron precursoras de impulsar el género de la ficción científica, me quedan atrás muchas otras, lo sé, Alien, La guerra de las Galaxias, Star Trek, La guerra de los mundos……………

Sharlto Copley (Wikus Van De Merwe) Desconocido actor que Blomkamp escogió para el papel de actor principal, su amigo del instituto. Irritante, parece como una picadura de un mosquito que no puedes dejar de rascar. El primer tercio del filme tienes ganas de estrangularlo para que deje de hablar. Si en un principio le detestamos y hasta nos causa algunas risas por el patetismo de su personaje, después del primer tercio cuando su transformación se produce, nuestra percepción va también mudando, y el picor desaparece para entregarnos por completo a su personaje singular de anti-héroe, perseguido y rechazado por todos, experimentando su proceso metamórfico con angustia y ansiedad divinamente representadas en su atropellada fuga. Sin embargo, lo mejor está aún por venir, el último tercio, donde la acción y la violencia se montan en la cúspide más alta y no cesan un único segundo. Yo me quedé rígida de la tensión muscular que acumulé y al borde de un ataque cardíaco. Observar el proceso de crisálida a mariposa que se produce en la cabeza del protagonista es quizás previsible, pero no le resta atractivo. Buena sorpresa por parte de Sharlto Copley en la conducción de su personaje y la construcción elaborada alrededor de las emociones, el deber y la necesidad. Devastador último minuto del filme resumiendo y dejando en abierto ese final que cada uno completará según su parecer o según su grado de esperanza. Para mí que aún sigo esperando el regreso del arrugado y pequeñito de los ojos azules grandes como faroles, pues sí……… el resultado es cristalino.

Ojalá que Hollywood (que se lo debe estar rifando), no corrompa la visión de este hombre porque parece que es prometedor. Así como aguardo con impaciencia su siguiente trabajo.
Por Isabel (LISBOA)
O Pecado Mora ao Lado
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Más allá de las insinuantes curvas de su cuerpo, 2010-02-22
Este filme en sí dejó para la posteridad poco más que una escena mundialmente difundida: unas piernas torneadas y bronceadas surgiendo entre los vapores de un vestido blanco agitado por el viento que a través de la rejilla del metro humean sensualidad y levantan a los muertos de sus tumbas. Magnífica escena que por ser rodada costó a Marilyn un divorcio con su segundo marido Joe DiMaggio, que estaba a presenciar el rodaje. Él se fue a casa enfadado mientras Marilyn se llevó un dedo a los labios para pedir silencio, se colocó encima de la rejilla y el humo blanco y el viento ascendieron, levantando su vestido varias veces. Terminó la escena y todos continuaban perplejos y creo yo, que soñando con el espectáculo que acababan de presenciar, ignorando el hecho significativo por ejemplo de que los vapores que salen por una boca de metro son calientes y refrescan poco la verdad. Tuvieron que después repetir la escena en estudio porque los que asistieron a la grabación en las calles no respetaron el silencio pedido por Marilyn, y la censura cortó todas las imágenes en las que el vestido llegaba a traspasar la línea de su cintura.

Destacable dentro del filme el montaje de los desvaríos e imaginaciones del protagonista masculino Tom Ewell (Richard), precedidos por fundidos en blanco que dotan al filme comicidad y aligeran el contenido narrativo. Hay imaginaciones fértiles, la de Richard (que de galán tiene poco, de guapo no le veo yo hechuras, y es patéticamente paranoico) es completamente absurda, desmedida e insólita.
Fotografía en tonos calientes, un poco deslucida vista con ojos actuales, pero bastante buena para la altura en la que fue rodada.

Marilyn fue nominada para un premio Bafta por esta película, que no ganó, aunque fue un éxito de billetera y un papel determinante en su corta vida. De las reposiciones existentes en Cineteka recomiendo esta y Bus Stop, son bastante destacables aunque yo me las sé de memoria todas y me gustan todas para pasar una tarde entretenida y divertida.
Hay cuatro filmes de ella en los que sí puedo ver un pequeño reflejo de calidad, y pienso que si siguiese interpretando conseguiría ser mejor actriz:
_”Niágara”, un papel pequeño al inicio de su carrera, dramático pero con intensidad y lejos de su típico encasillamiento de “loira burra”.
_“El príncipe y la corista”(The prince and the showgirl”), dirigida y coprotagonizada con Sir Laurence Olivier, en la que Marilyn se luce, no está a la altura de otras grandes pero su desempeño es bueno, sobre todo si destacamos que en aquella altura su deterioro físico y mental empezaba a hacer mella en su interior.
_”Con faldas y a lo loco” (“Some like is hot”) de Billy Wilder compartiendo protagonismo con Toni Curtis y Jack Lemmon, más profunda de lo que en principio se puede entrever, al incluir en su argumento temas complicados como el travestismo, y depositando en la historia del cine una frase mítica en su final: “Nadie es perfecto”.
_”Vidas rebeldes” (“The Misfits”) Un papel dramático con tintes autobiográficos y de la que su director diría posteriormente: Era todo verdad, era ella. Esta fue su última película y en ella se empezaba a ver que Marilyn podía interpretar de otra manera diferente. En esta fase su adicción a los barbitúricos (nembutal entre otros) y alcohol provocaron su internamiento en un hospital durante diez días.

Queda por destacar que hay un corto de poca duración en la que están incluidas las escenas que estaba rodando en la película que no llegó a terminar pues su muerte lo impidió, en la que hay una escena de Marilyn nadando en una piscina desnuda, que son realmente especiales, no esta secuencia sino todo lo que rodó para el inacabado filme. Se disfruta de una Marilyn distinta, más madura y con una serenidad que hasta ahí no distingo en sus demás filmes.

Hace poco hablando con un amigo sobre cine discutiendo sobre actores él me dio un argumento que hoy voy a aplicar a Marilyn. Me comentaba que pocos son los actores que dejan de trabajar durante un año para prepararse para un papel.
Pues bien, pocas actrices intentaron mejorar como ella lo intentó, clases de canto, clases de interpretación, clases de baile, creación de su propia empresa para poder realizar filmes independientes de los estudios que le posibilitaran otro tipo de trabajos………lo intentó todo. Y yo sostengo que lo hubiese conseguido, si su vida no fuese trágicamente truncada. No tenía el don innato de interpretar y llenar todo el espacio con esa magia, pero esa falta la suplió con creces con sus caderas sus glúteos y sus pechos. Dando al mundo lo que no se atrevían a pedir, y esto lo hizo siempre con naturalidad, ahí sí ella fue la mejor. Nadie más consiguió nunca ser tan sugerente y provocativa con tanto estilo. Su caminar balanceándose, su mirada y su vestuario hacían que todos los ojos se clavasen en ella incluyendo al sector femenino que en días de hoy continúan a imitarla. Y es por eso que te adoro y admiro Marilyn, porque a través de la provocación, utilizando lo único que te permitieron utilizar triunfaste por todos y pese a todo. Más allá de las insinuantes curvas de Marilyn Monroe, existía una mujer llamada Norma Jean, acostumbrada a ser abandonada desde pequeña y forzada a tener que defenderse ella sola contra el mundo, a tener que luchar por su camino. Norma Jean sacrificó casi todo por su público, aún cuando los críticos la machacaron durante años seguidos. Norma Jean sucumbió ante Marilyn y esto provocó que ningún hombre que estuviese a su lado conociese a Norma Jean. La mujer que se llamaba Norma Jean perdió dos hijos casi seguidos cuando rodaba dos películas. Creo que como esfuerzo todo esto llega, es suficiente. Si algo ganó Marilyn en su vida es el derecho a ser respetada.

Personalmente no pienso que fuese la mejor, de su época hay actrices como mi gran Elizabeth Taylor que le dan mil vueltas, pero tampoco creo que fuese más mediocre que otro icono como por ejemplo Jane Rusell, (hay otras actuales que tienen un Oscar a mejor actriz secundaria, que son peores que Marilyn). Si contextualizamos a Marilyn dentro de la época, estaba muy a la altura de lo que los estudios pretendían en aquellos tiempos, que era vender y producir dinero, cine de entretenimiento y menor interés en filmes de calidad. Creo que todo se quedó reducido a los límites de su cuerpo y que al mundo le bastó con eso. Sospecho que fue más lucrativo para un estudio de Hollywood dejar de invertir en su carrera para sólo invertir en vender un cuerpo cargado de erotismo, avivando sexualidad……… y si esto fue suficiente para un presidente, pues que quieren que les diga…………lo es para mí. (No, hoy no hay teoría de la conspiración, es algo demasiado sucio para alguien tan hermoso y bello, aunque me he quedado con las ganas).
Por Isabel (LISBOA)
La Vie En Rose (Pontuação: 8)
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Non, Je Ne Regrette Rien, 2010-02-16
Desde la sala dónde escribo mis comentarios y bajo el cuadro enorme en blanco y negro de la ciudad de Paris que como una ventana abierta contemplo todos los días, sonrío y elijo la música bajo la cual mis dedos se deslizarán al escribir……… sí, claro, la gran Edith. Un recopilatorio grabado en directo, (The Legendary, Edith Piaf) y el sueño de una voz arrastrando la "r" se abre paso en el silencio inundando la sala, el cuadro de París y a la que suscribe, con una tibieza melodiosa que llena el corazón y suspende la respiración. Evocar Francia y escucharla es la misma cosa. Pocos artistas consiguieron que se les identificase con el espíritu de una ciudad y un estado emocional con tanta precisión como ocurre con ella. Es universal pensar en Edith e instantáneamente trasladarse a París.

Biopic poco extenso de La Gran Edith Piaf. Visionar este filme sin saber nada de esta diva de voz inconfundible no esclarecerá dudas sobre su vida, se centrará en su parte menos buena y dejará pasar por alto hechos significativos de su inusual existencia, (que es lo contrario de lo que se pretende al filmar una biografía), pero como comienzo para descubrirla no está mal. Si hay algo que se evidencia al terminar el filme es la curiosidad por descubrir más sobre ella, lo que personalmente encuentro interesante desde la perspectiva didáctica.

Dominio absoluto dentro de la película en la fotografía, creando ambientes con unos claros/oscuros dignos de mencionar. La penumbra envuelve casi todas las escenas identificando la propia personalidad de Edith en ellas, dotando al filme de riqueza visual estrepitosa. Que contraste grandioso de luz, te encaja sutilmente en cada plano, desde una calle bulliciosa parisina, pasando por la iluminación hiriente de los focos cegadores de un palco hasta la opacidad de un café nebuloso. El cambio de luz, marca todos los estados posibles de ánimo de la protagonista y acompaña fielmente las partes dramáticas.

Narrativa en flashback temporales desordenados, a los que no se les encuentra sentido hasta el final del filme, en dónde entendemos que aquello que estamos a ver no es una biografía lineal, sino los últimos pensamientos de una moribunda. Todas las imágenes sentimentales de una vida pasando por delante de los ojos, como ella propia dice: estoy recordando cosas que no quiero recordar, fantasmas que hace tiempo me persiguen. Es ahí donde el puzle temporario se foca y percibes con realismo, que esa noche, su última noche en Grasse, en la cama, casi sin poder respirar, la introspectiva que hizo sobre su vida y su balance final fueron positivos y partió en paz. Original y bella forma de narrar una vida, desde su final, en diapositivas aleatorias de momentos emocionales.

Banda sonora de principio a fin Edith Piaf 100%. Con una particularidad sorprendente, explicar con las imágenes sucesivas el porqué de cada canción, saber en cada caso como ella las encuadraba dentro de su vida. Un ejemplo claro de esto es un plano-secuencia bastante complejo, en donde ella se despierta con los besos de Marcel (El boxeador francés que fue el amor de su vida) le va a preparar un café y cuando vuelve a la habitación ella empieza a buscar un reloj por toda la casa y ahí le notifican su muerte, entre el dolor y los gritos ella corre por la casa y esta escena acaba encima de un palco cantando Hymne à l’Amour en un montaje brillante, la canción con la que ella siempre recordaba a Marcel, cantada con una voz trémula y una sonoridad que ultrapasaban todos los límites de su cuerpo, en unas dosis de emotividad como pocos artistas consiguieron. Ocurre lo mismo con el resto de la banda sonora, “Milord”, “Non, Je Ne Regrette Rien”, “Padam………Padam”………El resto del tiempo todo gira en torno a un ensayo muy personal dentro de un arreglo musical, (compuesto para el filme) de su gran “La vie en rose”. Su canción más famosa y reconocida en todo el mundo. Absolutamente fantástica, esta manera de abordar una banda sonora. Los fans de Edith no deberían perder este filme.

El argumento fue lo único que tiene un pequeño fallo, en realidad dos: El primero inventar un personaje en la parte de su niñez, (la prostituta Titine), es innecesario, pues los primeros años de Edith para bien o para mal, fueron lo que fueron, duros, criada en las calles de parís por una madre que de madre tiene poco, un padre ausente y una abuela que la alcoholizó con una edad muy temprana. Suavizar esto es imposible, humanizar su infancia con una prostituta que le da un afecto materno, puede quedar bonito dentro de la película pero la verdad es que durante el período que vivió con su abuela en el prostíbulo no hablaba, no se movía, prácticamente no existía. Edith aprendió a amar a través de su música, eso alimentó su espíritu desde pequeña. Como ella propia decía: Si no canto, muero. Amor fue una palabra que ninguno de sus progenitores ni cuidadores supieron dar en su infancia. Puede ser violento, pero es la realidad.
El segundo error del argumento es centrar su biografía tan sólo en su parte emocional y dejar el resto en el desconocimiento. Hay muchas cosas importantes en la vida de esta mujer, como por ejemplo prestar auxilio a los artistas judíos en la segunda guerra mundial y posteriormente atreverse a ayudarlos a escapar. Su postura y posición política fue algo que ella siempre proclamó a los cuatro vientos sin importarle las consecuencias que esto le podría traer. Tenía temperamento, sí, es cierto, su persona era difícil de contrariar, pero no era una persona inflexible, entregaba todo lo que tenía a los que la rodeaban y le eran fieles. Ella sola salvó uno de sus teatros preferidos el Olympia, dando una serie de conciertos dos años antes de su muerte. Ganó fortunas aunque muriese en la miseria, precisamente por dar, no por extravagancia. Se impuso a si propia desde siempre que cantar era lo más importante y lo fue, toda su vida. Cantaba y respetaba a su público más que el público a ella. Prácticamente anestesiada por la adicción a la morfina subía al escenario y cantaba, dos veces se desplomó en el palco por su débil salud, y contrariamente a lo que era de esperar, pidió para volver a cantar. Se entregó por entero a su voz.
Suavizaron también significativamente sus relaciones lésbicas, Marlene Dietrich mantuvo con ella una relación sentimental, aunque en el filme esto quede enmascarado bajo el esbozo de una amistad.
Su vida también tuvo períodos muy felices, tranquilos, sin excesos. Disfrutando de la intimidad de su casa, sus amigos y las mieles del éxito. Amigos en los que se incluían muchos intelectuales de la época. Impulsó las carreras musicales de todos sus amantes, les ayudó a triunfar………Todo esto serviría para que dentro del argumento su vida fuese menos dramática, y darnos la otra parte que nos negaron.

Terminaré hablando de lo mejor del filme: Marion Cotillard. La protagonista que en una interpretación fuera de lo normal, se transforma en una fotocopia exacta de Edith Piaf. Hacía tiempo que no disfrutaba tanto con una actriz. No es sólo la caracterización impecable de vestuario y maquillaje lo que sorprende en su actuación. Es toda la emoción y toda la monstruosa capacidad para defender este papel y convencernos de que ella es Edith. Su forma de caminar, de posicionar las manos cuando cantaba, de encogerse cuando hablaba………ver a Cotillard en este filme es ver a Edith resucitada, como si fuese el reflejo de una imagen en un espejo. Oscar a la mejor actriz merecido. Reproduce sin caer en lo grotesco, con mucho acierto, el personaje de Edith. Sus primeros años dolorosos en los que no es más que una chica pobre de las calles de París llegan a la médula. Hubo momentos en los que fijé mis ojos a la pantalla incrédula, intentando discernir si aquello que veía era un sueño perfecto que me acababa de inventar. Arropa la personalidad de Edith, aviva en la memoria a “ La Môme Piaf” y nos la esculpe en cada gesto.
La última etapa en la que ella con poco más de 40 años, (pareciendo aparentar 60), nos deja en las imágenes la decadencia y decrepitud de Edith, son de un impacto explosivo, categóricamente bueno, muy bueno. Cotillard espléndida y aturdidoramente colosal, empapa dentro de su cuerpo el espíritu de Edith para plasmar en este buen filme, una vida y una voz eternas.
Por Isabel (LISBOA)
Underground - Era Uma Vez Um País (Pontuação: 9)
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El País del Nunca Jamás, 2010-02-01
Érase una vez un país……… (título original del filme),……… y un fabuloso cuento arranca en su narrativa quimérica de fantasías caprichosas, pesadillas espeluznantes y esperanzas quebrantadas. Filme diferente especialmente indicado para quienes disfrutan con un tipo de cine personal, costumbrista y fuera de lo convencional.

Emir Kusturica relatando con su impecable forma de dirigir la realidad de 50 años de su país comenzando por la invasión nazi en 1941, continuando con la guerra fría bajo la dictadura de Tito y finalizando en la guerra de los Balcanes. Chapuzones de desesperación infiltrados desde el dolor de la pérdida de la identidad de una nación. Crítica social ensamblada a la cultura tradicional de sus orígenes patrios y una nostálgica incursión por las infinitas escisiones que esto provocó en su tierra, en sus gentes.
Desde su primera imagen te deslumbra en planos muy centrados en cada personaje, descubriéndolos por dentro y por fuera, exponiendo en esos pocos segundos sus caracteres. Instantáneamente, el rechazo o la identificación es clara y directa. Como comienzo, intuitivamente imaginas el resto, pero en el progreso del filme deparas con que todo lo que tu mente pueda inventar se torna deficiente en comparación a la gran mutabilidad de Kusturica.

En su parte más técnica notoria fotografía en tonos marrones, predisponiendo el factor psicológico en todo el recorrido de esta fábula por veces cruda y violenta, oscureciéndose a ritmos agigantados en la segunda parte del filme y en gran parte de la tercera.
Buena integración de efectos especiales cuando injertan al protagonista interaccionando con imágenes de documentales antiguos (muy similar a las imágenes de el filme Forrest Gump, por ejemplo cuando le da la mano a Kennedy, o pasea por el interior de la casa blanca……) (aunque particularmente a mí no me guste demasiado esta técnica)(por mucha definición que la dichosa pantalla verde pueda dar y después las combinen con imágenes generadas por computador).
Disparidad en el ritmo de la película, pero en absoluto un fallo, dentro de ese resumen descomunal en tiempo Kusturica por veces se vuelve detallista al milímetro en algunas escenas, alargando la significación trágica o contándonos al pormenor datos importantes para la comprensión posterior del filme, lo que suscita esos picos tan distantes en ritmo, tanto narrativo como temporal.
Imprescindible ropa cómoda, ir al baño antes de visionarla y para los amantes de las palomitas hacer una gran cantidad de ellas pues la duración es extensa (167 minutos, que a mí se me pasaron volando), amenizados con grandes dosis de humor y situaciones extraordinarias, superando así ese “hándicap” temporario.

Película con la sombra del maestro Fellini rondando en muchas escenas. Evidente sobre todo en la final, en esa boda que es casi una copia exacta al cierre de su descomunal “Amarcord” en la celebración de la boda de “La Gradisca”, y continuo homenaje que Kusturica le brinda en demás situaciones grotescas. Quizás por esto la disfruté tanto, quizás fuese ese recuerdo lo que me llevase a devorar este filme como lo hice, pero independientemente a mis gustos personales, esta obra merece ser disfrutada por ella propia y por todo su contenido.

La música es un punto y aparte. O la odias o la amas. A mí me fascinó desde el principio toda ella. La estridencia de una banda que persigue en todo el filme a sus personajes te explota en la cara desde el primer segundo, pero son los conductores indudables de gran parte de la trama emocional. Sin sospecharlo entre la banda sonora por tres veces somos asaltados por la incursión de una canción mítica “Lili Marleen” interpretada por “Lale Andersen” himno indiscutible de la segunda guerra mundial, inmortalizado por la Diva Marlene Dietrich. No se acaba aquí el prodigio de esta banda sonora, canciones Yugoslavas, tangos y Goran Bregovic. Un festín sonoro que no pasa desapercibido y al que yo me rendí literalmente.

Argumento que se destaca además por sus interesantes historias: La evolución de un enfermizo triángulo amoroso. El crecimiento de personas encerradas en un sótano sombrío ajenas a la realidad que afuera existe. Animales siempre presentes en todo el filme con escenas sorprendentes en significación y utilizados de las más “variopintas” maneras que aportan unas metáforas valiosas que engrandecen este amplio guión en el que el propio kusturica participó.

Elenco perfecto, cada personaje te conquista por entero y te deja con ganas de querer ver más.
Destacable para mí, Iván (Slavko Stimac) con un personaje en apariencia simple pero que a medida que los minutos se suceden va agrupando en torno a su persona y su historia una carga concentrada en simbolismos variados, finalizando con un discurso al que no consigo poner epítetos de lo grande que es.

Cada parte de las tres que componen el filme es importante pero dentro de todas ellas la tercera es extraordinaria en belleza, lirismo y significación. La muerte colectiva más bella en la historia del cine, como en un poema abstracto, las almas se purifican a través del agua y se juntan todas en una fiesta pacífica y armoniosa.
……………Y el cuento llega al fin, con el mensaje extraordinario de una tierra que no existe, al igual que la ya extinta Yugoslavia, en una equivalencia aterradora con tan sólo el recuerdo vago de los sueños de la tierra de nunca jamás. El cuento de hadas con final feliz que Kusturica soñó para su destrozado País.


Apunte personal:
Emir kusturica girando los talones del tiempo me trae a la memoria a la mítica Marlene Dietrich, entre palpitaciones mi cerebro rebusca y resurge la imagen en blanco y negro de un cabello ondulado rubio que es el precursor de un vestido de seda adaptándose a los contornos corporales de una mujer de pie en una escalera, insinuante y provocadoramente bella, en un esbozo sin igual de sus piernas interminables bajo el satín que la cubren. Llega después su voz tan personal y sensual, ligeramente masculinizada por el acento de su lengua materna, para divagar finalmente por las memorias de algunos de sus filmes como el gran “Angel Azul” (primera película sonora alemana) “Marruecos” “El juicio de Nuremberg” o “Sed de mal”…………perdiéndome irremediablemente en este sueño de mujer.
Cómo admiro a esta diva, que siendo Alemana manifestó su repulsa contra el movimiento nazi y se opuso públicamente a los ideales de Hitler, que cantó para las tropas aliadas en la segunda guerra mundial. Ella propio modificó la letra de Lili Marleen para incitar a los soldados alemanes a que desistiesen de la guerra y volviesen a casa. Combatió por sus ideales políticos dentro del glamour de “femme fatal” impuesto por su descubridor Josef von Sternberg con el que colaboraría durante 5 años prolíficos y la lanzaría al mundo como estrella, (aunque Hollywood nunca reconoció debidamente su grandeza). Si bien su carrera como actriz tuvo muchos altos y bajos ya que sus papeles en Hollywood no fueron siempre apropiados hay algunas interpretaciones de Marlene que son un sello de calidad para la posteridad. Hay que ver este tipo de obras dentro de un contexto histórico. Fue actriz en la transición del cine mudo al sonoro, lo que hace que el lenguaje gesticular sea por veces exagerado, como le pasa a muchas actrices de esta época como Greta Garbo, Gloria Swanson o Mary Pickford. Ella empezó por el teatro, no por el cine y esta influencia está siempre presente en todas sus interpretaciones. Comparar esta manera de actuar con la actual no es posible. Su imagen de mujer fatal fue algo que la esclavizó para el resto de sus días pero igualmente ella equiparó esto en su vida distinguiendo su carrera e imponiendo cánones de belleza pero no sólo viviendo de su imagen. Se empeñó en seguir mejorando……y lo consiguió, afortunadamente para los que todavía vemos filmes de los años 20, 30 y 40 con tanto placer.
Por Isabel (LISBOA)
Woodstock - Três Dias de Paz e Amor (edição sem legendas) (Pontuação: 10)
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Documentales para la historia, 2010-01-26
Woodstock fue uno de los primeros documentales musicales junto a “Eu sou Bob Dylan” que exploraban el mundo detrás de los escenarios, en unos años profundamente marcados por la guerra del Vietnam y el descontento generalizado de sus individuos cansados de protestar ante semejante monstruosidad.

Woodstock indudablemente fue música, miles de personas interactuando entre acordes musicales, pero a su vez un fiel reflejo de una sociedad que tuvo “agallas” para mostrarse delante de una cámara y salir del anonimato exponiendo lo que pensaban, en lo que creían y cómo soñaban con un mundo mejor. Hay comentarios e imágenes de un valor inestimable dentro de este documental.
Uno de mis preferidos fue escuchar cómo una pareja de jóvenes hablaban sobre trabajo, sobre expectativas diferentes a las que tuvieron sus padres y sobre el derecho a vivir un camino propio. No hablaban sobre tópicos sino sobre reflexiones en las que creían, opiniones que habían meditado y sobre las que se disponían a actuar, no sólo hablar.
El limpiador de sanitarios es otro de mis favoritos. Saltándose un conflicto generacional, fue capaz de llegar a apoyar un movimiento sintiéndose orgulloso de su trabajo en conmemoración a su hijo, que participara en Vietnam y estaba allí disfrutando de la música. Que maravillosa me pareció esa escena, como se realizaba plenamente sintiéndose parte activa e importante del evento, dejando constancia que no sólo los menores de 30 formaron aquel canto a la libertad.

Imágenes hay muchas, casi todas. Desde las monjas formando con sus manos el símbolo de la paz, hasta la gente pidiendo que no lloviese (aunque no tuviesen demasiado éxito), desde la construcción del escenario hasta la última tabla desmontada. Lo más esencial, como por ejemplo bañarse, o el itinerario a través del cual se distribuían los alimentos.

Formato enteramente característico documental, que va creciendo en intensidad de información, en profundidad y complejidad a cada escena, intercalándose con los números musicales apretando y complementando esos tres días de una forma simple, efectiva y realista, (podríamos llamarle “cinema verité” ).
Como una mazorca de maíz, Michael Wadleigh desgrana el espíritu reunido allí, sus gentes, sus ideas, sus voces, sus relaciones, sus adicciones……… los contratiempos, el rechazo, la controversia………… dejando que la cámara filme sin más, recogiendo en su lente lo más genuino. Horas y más horas de investigación moviéndose de un lado para otro capturando lo insólito, y lo increíble, no dejándose nada, y después en un resumen anoréxico, se permite por momentos en un montaje básico juntar dos planos diferentes acoplándolos en una misma toma para que la música tome también un sentido documental, no sólo sonoro, alargando el significado de cada canción de una manera brillante.

Santana, The who y Hendrix son una bomba explosiva de calidad. Hubiese cortado mi brazo derecho para poder estar allí disfrutándolo. Hendrix es el cierre del documental en lo que a música se refiere, improvisando el himno nacional, arañando de sus entrañas ese talento arrollador, tipo locomotora a 1000 km/hora.
Entre todos ellos, un primer plano de unos pies rollizos descalzos, entusiasman a la multitud y la Gran Janis Joplin se ilumina en un escenario en oscuridad y empieza la magia a entrar en acción. Su garganta falla dos veces, se ve claramente como no está en su mejor día, pero el placer de su voz resonando ante un micrófono es sublime. Acelera el corazón y te lleva a un paraíso perdido en tus memorias más secretas.

Y las luces en el escenario se apagan, todo se acaba y el inmenso terreno está lleno de residuos de la más variada especie, poniendo un cierre desagradable a algo que jamás debió terminar…………


Apunte personal:
No puedo dejar pasar esta oportunidad para dejar de hablar sobre “la niña”, “mi niña Janis” quién fue uno de los máximos exponenciales de la época que en el filme es recogida. Esta Diosa poética y armoniosa a la que los demás no le llegaban a la altura de sus zapatos de plataforma (con permiso de la gran Aretha Franklin). Apareció en el festival de Monterey y Janis actuó con The Mamas and the Papas”, “Jefferson Airplane”, “The Who”, el propio “Hendrix” y el mundo explotó ante su voz, liberó el alma de todos los afortunados que pudieron respirar el mismo aire que ella. Repitió Monterey al día siguiente porque de la primera vez no fue filmada, y en esa segunda, esta estrella con dimensiones galácticas, se marcó una proeza histórica dejando a todos rendidos con el tema ”Ball and chain” y el mito se forjó encima del escenario. Su voz no sólo era un derroche de pasión y un grito desesperadamente afinado de emociones contenidas en la potente vibración de sus cuerdas vocales, sino también una presencia que apagaba todo alrededor y emitía ese resplandor que tan sólo unos pocos son capaces de irradiar. (Claro que nació en enero, como casi todos los genios hemos nacido).

Aprovecho para hablar de paso de un filme que vi con emoción contenida porque era basado en su biografia :“The Rose”, y que me dejó con convulsiones de rabia, porque más una vez lo que hicieron con esta mujer no tiene perdón.

Para empezar, la pasión por la música de Janis Joplin empezó muy joven, a los 16 años, escuchando música negra en los bares de Louisiana. Estudiando en la universidad de Texas comenzó a cantar. Su voz única pronto se destacó al mismo tiempo que su afición al alcohol y sus primeros escarceos con las drogas. Deja la universidad, abandona todo y se traslada a San Francisco en dónde se abrió camino cantando en bares. Sus propios compañeros temiendo por su vida ante los abusos de alcohol y otras substancias (speed), la devolvieron a casa, (por aquella altura pesaba tan sólo 35 kilos) .
Recuperada decide volver a la universidad y casarse con un hombre que había conocido en San Francisco. Esto nunca sucedió, su novio la abandona y el hecho propicia un profundo sentimiento de tristeza, soledad y dolor dentro de ella, visible en las letras de su música. Vuelve nuevamente a San Francisco y se une a la banda “Big Brothers and the Holding Company”. Actúa en Monterey en el 67 y graba con su banda en el 68 su primer disco, “Cheap Thrills” éxito fulgurante y record de ventas. En esa altura alcanza la fama y reconocimiento en Usa, pero el éxito le presenta a su peor enemigo, la heroína. Por diferencias de ideologías musicales y por la presión que el grupo recibe debido a la ascendente fama de Janis, se disuelven a finales del 68.
A principios del 69 forma una nueva banda “ Kozmick Blues Band” y lanzan el álbum “I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!, que recibe duras críticas en su país por ser demasiado diferente al primero. Curiosamente inician una gira por Europa y el resto del mundo la adora, el álbum funciona. Cuando regresa a casa su adicción a la heroína era ya una realidad punzantemente corrosiva. Actúan en Woodstock en el 69 (es la actuación del documental), el público la aclama fervorosamente, pero la realidad detrás de bambalinas es diferente. Para poder subir a los escenarios se disciplina en sus horarios para inyectarse, pero debido a los retrasos de los conciertos y los festivales esos horarios no se encajan y sube a algunos palcos completamente drogada. Su voz aun así encanta, encandila y sigue siendo un fenómeno prodigioso. A finales del 69 Janis decide romper con la banda para desengancharse y lo consigue, no así del alcohol.

En el citado filme “The Rose” hay una escena en la que ella vuelve a su ciudad ya como una estrella, en ella aseguran que se acostó con todo el equipo de futbol después de un partido y que esas recordaciones juntamente con el rechazo de su familia la llevaron esa noche a inyectarse tanta heroína que falleció en un concierto ante miles de personas. Así acaba el dicho filme, tras una entrada apoteósica en fervor de multitudes en la que se desploma encima del escenario.
La verdad fue más dura, públicamente anunció su vuelta a casa en un intento de reconocimiento de su pueblo natal, oportunidad que sus padres aprovecharon en la altura para irse de la ciudad, ella enfrentó eso con amargura pero salió adelante. Su despedazado corazón soportó también que su propia madre le dijese: “Ojalá nunca hubieses nacido”. (Y en referencia a la escenita del equipo de futbol, de la que desconozco su veracidad, me resulta un poco extraña, ya que fue en esa misma universidad en donde fue coronada con el título de “el HOMBRE más feo de todo el campus”).

La caracterización de la protagonista Bette Midler para el filme fue bastante degradante, y su voz, aunque reconozco que es buena, no está a la altura de la Diosa Janis. Una vez más Janis es olvidada por lo importante, su voz, y es destruida por su reputación y sus opciones personales. Hay que separar conceptos, una cosa es la vida privada de una persona (de la que tiene absoluto derecho de vivirla como quiera, MIENTRAS NO IMPLIQUE MÁS QUE CON ELLA) y otra cosa es la trayectoria profesional de un artista, de todo lo que nos aporta con sus méritos musicales, con su voz, con su presencia en un escenario y con el regalo de su infinita genialidad.

Su final fue más triste, en el 70 después de las grabaciones de su último disco “Pearl”, con su nuevo grupo “Full Tilt Boogie Band”, decidieron celebrar ese óptimo día emborrachándose. Horas después, la encontraron muerta por sobredosis (la heroína era demasiado pura) y la desaparición de las agujas hace sospechar que no estaba sola, su muerte seguirá siendo un misterio al igual que la de Morrison o Hendrix. Ella ya estuviera varias veces en peligro por sobredosis, pero de esta vez nadie la ayudó.

Janis Joplin la gran olvidada. La más repudiada, la menos elogiada. De cuando en cuando alguna compañía discográfica se acuerda de ti y durante segundos el mundo te vuelve a admirar, para caer en el olvido al minuto siguiente. Janis, yo te sigo recordando. Te mantengo viva en mis días cada vez que te escucho. Me gustaría adentrarme en la neblina espesa donde te sumergiste y de la mano traerte de vuelta a casa.
Todos parecen tener placer en recordar tu adicción a las drogas y tu promiscuidad, yo en cambio te admiro y respeto por tu voz desgarrada y tus gritos desesperados encima de un escenario que nadie supo interpretar. Por tu valentía enorme de seguir enfrente defendiéndote de todos, con los ovarios más bien puestos que he tenido el orgullo de conocer. Por el paso de gigante en la emancipación femenina que tuviste el coraje de enseñar. Pero sobre todo, por todas las grandes vibraciones emocionales que tu legítima sonoridad me hacen sentir.

Imposible para mí escoger entre tu música preferencias, porque lo son todas, estas pequeñas muestras indican apenas un breve repertorio de tu gran versatilidad.(Quien pueda escuchar Little girl, Maybe o Cray baby sin que se le despedace el corazón está ya muerto por dentro).
Mi Niña Janis, Diosa Janis, estás dentro de mi espíritu, integrada en mi alma, proporcionando momentos únicos de libertad cósmica.

http://www.youtube.com/watch?v=FVpDOIPx_sY Little girl
http://www.youtube.com/watch?v=-B41dXQp6Bw Turtle blue
http://www.youtube.com/watch?v=ppnRuKRLUH4&feature=fvw Move over
http://www.youtube.com/watch?v=eDIaDS9HhMw&feature=related Cry baby
http://www.youtube.com/watch?v=cM0T9fumD5k Maybe
http://www.youtube.com/watch?v=zrOA7dLyZlM&feature=related Summertime
http://www.youtube.com/watch?v=244nNtgtCsg&feature=related Half moon
http://www.youtube.com/watch?v=9NRzxu_Hak8&feature=related I need a man to love
http://www.youtube.com/watch?v=klhK_4evO5c&feature=related A woman left lonely
http://www.youtube.com/watch?v=ju9yFA1S7K8&feature=related Get it while you can
http://www.youtube.com/watch?v=-RMg0anuc04&feature=related Down on me
http://www.youtube.com/watch?v=8s3k1g0r8OY&feature=related Kozmic blues
Por Isabel (LISBOA)
Ghost Dog - O Método do Samurai (Pontuação: 8)
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Un samurai en el siglo xx, 2009-11-25
Estupendísimo Jarmusch trayéndonos desde el pasado una forma de vivir obsoleta y olvidada.
Utilización de planos medios y primeros planos con menor uso de planos generales, y dos escenas rodadas en cámara lenta deliciosas. Uno de los cuales se funde después con un encadenado para cambiar de escena. Un Flashback fraccionado en dos partes, y completado a través de dos personajes diferentes, lo que personalmente adoré. El ritmo y el tiempo es marcado por los diferentes pasajes de un libro de Samurais que el protagonista lee y van dando cuerpo a las diferentes evoluciones íntimas del personaje en una original forma de expresión.
Música de estilo Hip-hop, en sus comienzos adecuada a la época que representa para ir progresivamente a la vez que el personaje principal, retrocediendo en el tiempo enseñándonos un pequeño muestro de las raíces de la música negra en sus diferentes estilos. Eln el resto del metraje una pulsación acústica nos envuelve como el latir de un corazón, causando un efecto sonoro bastante desconcertante en un principio, para después echarlo de menos cuando es sustituido por música.
No es un filme esencialmente sólo con acción, Jarsmuch introduce algunos toques humorísticos, drama, intriga y la ya citada acción, haciéndonos cambiar de perspectiva y de emociones en un argumento bastante completo. Es la historia de un asesino a sueldo, que entrega su vida y su honor a un mafioso. Pero el concepto de lealtad no es una palabra, adquiere una dimensión de una espesura colosal. Cada personaje tiene una historia que representa un valor o un sentimiento, ver el desarrollo es extraordinario. Se te queda pegado a la piel.

Forest Whitaker ( Ghost Dog) La calma con la que se mueve en todas las situaciones te parte en dos los nervios. Como consigue integrar en su cuerpo y en su mente la doctrina que maneja aturde la racionalidad. Muy bueno Forest Whitaker, interpretación sólida que te prende desde la primera imagen y te va adosando de lleno a la película.

John Tormey (Louie) Interpreta a un mafioso, su físico le queda como un guante. La evolución dentro del filme de Tormey y en el argumento, es una de las más radicales, la escena final no es de samurái es de western y de mucha emotividad.

Isaach de Bankolé (Raymond) Gran parte del humor reside en él. La relación que mantiene de amistad con Ghost Dog no necesita palabras. Es adorable dejarse embriagar por su presencia y su personaje un poco estridente en personalidad pero de elevada sinceridad.

Henry Silva (Ray Vargo) Sus papeles de malo en el cine son míticos, en casi todos los géneros, muchos spaghetti western tiene a las espaldas y muchas películas de acción en dónde era el criminal con la mirada más dura. En esta es el capo, el jefazo de la mafia cruel e inflexible, dejándonos buenos recuerdos de los papeles a los que tantas veces dio vida.
Por Isabel (LISBOA)
Barry Lyndon (Pontuação: 9)
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Ascensión social meteórica, caída en picado fulgurante, 2009-11-22
Ha sido la última intervención de Rui Cunha (del que me confieso una adepta fanática de casi todos sus comentarios) la que me hace hoy escribir.
Como muchas veces he proferido, para mí Kubrick es un genio, unos de mis preferidos de siempre, un hombre que cultivó su dedicación al cine dentro de unos parámetros de perfección como nadie dentro de este arte. El talento no es suficiente sin trabajo y pocos hay como él que trabajasen tan meticulosamente como él lo hizo. Porque en todos sus metrajes su obsesivo perfeccionismo dio unas obras difícilmente superables.

Barry Lyndon se encuadra dentro de ellas. De esas obras densas y cargadas de varias líneas de acción y pensamiento. El primer tercio del filme es apasionante, la presentación del personaje, su explicación de el desarrollo de la trama, el marco histórico…………. Pero como casi siempre Kubrick no nos presenta un héroe, sino todo lo contrario, un anti-héroe con el que te obliga a identificarte separando así los conceptos predefinidos dentro de tu cabeza y empezando a tener dudas sobre palabras como honor, lealtad y amor. Es todo esto lo que me maravilla de Kubrick, su capacidad en sacudirte por dentro y exponerte a ti propio ante tus más definidos valores.
Conoces la psicología de Redmond Barry en poco tiempo, el contorno del protagonista es el mejor apunte de su trayectoria. Un perfil destilado por la pobreza y el desamparo, el camino errante de los abandonados a su suerte con pocos medios de sobrevivencia. Es ahí dónde te asalta la primera duda: ¿qué es lícito o no para sobrevivir? ¿Hasta dónde un ser humano puede despojarse de sus valores y en qué medida?. En Barry Lyndon esto es llevado al límite. Desajustándote por dentro en esa identificación tan magistralmente guiada.
Sobre apuntes históricos, la película abarca un largo período de guerra, pero no es un filme esencialmente bélico, las escenas de batallas si no recuerdo mal (la visioné hace ya 3 meses) se reducen a dos en todo el filme, con lo que ese planteamiento histórico es muy reducido y nos proyecta nuevamente sobre el enfoque humano de su protagonista no sobre un documento sólo histórico. Haciendo hincapié además en todos los entresijos de la parte menos caballerosa y más viciosa de los soldados y no en el desarrollo de la guerra en sí. Es magnífico y doloroso observar la vida lúdica y ociosa militar mientras que tu consciencia sabe que en un lugar próximo muchos están derramando su sangre por defender unos ideales, sacrificándose como corderos por las decisiones políticas que otros toman. Remitiéndome a este hecho, tengo que pensar nuevamente que una película histórica, sí, lo es…………… pero Kubrick, lo que más quiere resaltar es el papel importante del individuo ante el confronto, no la parte histórica en sí. Lo mismo sucede con su genial Chaqueta metálica, en dónde la guerra es el escenario pero el mensaje más implícito y directo es la interacción, la degradación y todo lo que un ser humano puede perder de humano ante un conflicto bélico que desestructura todos los mecanismos internos y remueve todas las emociones posibles reduciendo a las personas a marionetas programadas para una crueldad extrema. Nadie mejor que Kubrick para dibujar ese doble sentido irónico con el que él transmitía las dos caras de la moneda de la estupidez humana.

La parte histórica yo la puedo ver más visiblemente en la parte técnica. Vestuarios que son excepcionales, caracterizaciones impecables. Un guardarropa para el que utilizó más de 60 sastres para que fuese perfecto.
Una fotografía tan maravillosa y perfecta recreando el estilo de la época, que como apunta Rui Cunha, te hace parecer que te mueves dentro de un cuadro. Un cuadro en movimiento es lo que parece este filme, con esplendor y belleza sin igual.
Utilización del zoom de una manera prodigiosa y cómo él sólo podía hacer, con un acierto y una magnitud inmejorables, dando una profundidad de campo a las escenas primoroso. Abusa un poco de esta técnica, pero eso no desmerece en sí el resultado. Te sumerge dentro de la pantalla maravillándote en sus deliciosos planos coloristas.
Grandes planos generales que son una maravilla del séptimo arte dentro del filme aportando esa sensación de grandiosidad.


Lo más difícil de soportar en el filme es su lentitud, es ahí donde se puede apreciar un pequeño desliz. Si bien no creo que en el montaje se debieran quitar planos, porque todos ellos son necesarios, el avance de la película es muy lento en el segundo tercio, pero también es un efecto propio del argumento que es lo menos sólido del filme (no por ello un fallo), se recupera en la última parte, eso sí, con lo que el ritmo de acción no queda descuadrado. La escena del duelo una de las mejores en toda la historia del cine de todos los tiempos, es un claro ejemplo de esa lentitud, de gran impacto, de elevada tensión dramática, rayando la exasperación ante la expectación , pero interminable. Personalmente es una de mis escenas preferidas del filme, aunque me deja al borde de un ataque de nervios.

Ryan O’Neal (Redmond Barry\Barry Lyndon). No consigo imaginar el porqué de esa elección, de entre todos los posibles candidatos ¿no había otra opción?. Es insufrible en casi todo el filme ver como Ryan O’Neal destroza el personaje, le deja caer en una frialdad y en un desempeño carente de emociones. La única escena salvable de todo el metraje es la de la muerte del hijo, ahí comprendes su dolor, te mete dentro de la pantalla, pero en el resto su registro es plano y completamente falto de emociones. Da igual que esté en el campo de batalla, en un palacio o en una comida campestre, sus expresiones faciales y gestuales no dejan de estar rígidas y ser inexpresivas en todo momento. Ver como degrada la calidad artística y técnica de esta obra produce un dolor agudo. No sé quién podría haber hecho el papel de protagonista, pero este no, no me creo que fuese escogido precisamente por su apatía que esto sea una más valía para la definición de su personaje sino todo lo contrario, contribuye a que la progresión del personaje se merme y se pierda ese significado valioso que tanto partido se le pudo haber sacado. Kubrick siempre escogió bien a todos sus actores, en esta inexplicablemente no entendí ninguna de sus elecciones.

Una de las razones por la que no me decidía a hacer el comentario era la puntuación. Es difícil puntuarla, por lo menos para mí. No podemos valorar un filme sólo por su técnica, un filme se compone de muchas cosas más, de un argumento, de actores, de sensaciones y de un mensaje. Es como una escultura una pintura o una música. Si en una partitura dibujamos correctamente las notas musicales pero no le damos el ritmo adecuado el resultado no va a ser bueno. Esto es lo que me ocurrió con Barry Lyndon, toda la técnica es magistral, preciosa cuidada y extraordinaria, pero en conjunto, su ritmo demasiado lento en su segundo tercio, la pequeña desestructuración dentro del argumento debido a esa lentitud y el pésimo actor con su desempeño patético, me hicieron cuestionarme el resultado final como algo desarmonizado y desafinado, bajando la puntuación de 10 que se merece para un 9.

Pd. Rui: Sobre tu comentario sobre Espartaco, me gustaría decir que aunque pueda ser un filme por encargo, y esto pueda limitar su creatividad, creo que no por eso se le tiene que restar mérito. Sin duda la has visto, ignoro si te gustó, para mí es una de las mejores de toda la historia del cine en su género. Una gran superproducción épica comparable a la gran Ben Hur o a Cleopatra. Así como su limitación puede ser visible, yo creo que también en esta imprimió su huella.
Por ejemplo en la combinación de los primeros planos y música clásica, como dejaría constancia en casi todas sus obras.
Todas las escenas dramáticas o de inflexión son precedidas por una intensificación musical o acústica como el preludio de lo que vamos a visionar. Otro de sus habituales sellos identificativos.
Fotografía esplendorosa que es un exponencial de su maestría.
Escenas de unas batallas rodadas con una gran precisión en grandes planos generales con corte preciosos de planos cortos y primeros planos en una acción trepidante. Tal y como tú visionaste eso en Barry Lyndon, yo también lo visiono aquí, en Espartaco.
Retrato sin igual y en profundidad sobre los personajes que componen el elenco, como en la naranja mecánica, contrastando el aspecto psicológico y ahondando en la complejidad de cada impulso humano.
Visión espectacular sobre el abuso del poder, la corrupción, la libertad, temas abordados desde siempre por Kubrick.
Que puedas considerarla como una película fuera de su “obra de autor”, sí, con certeza. Que puede ser considerada diferente sí, claro, pero igualmente una obra de arte. En el comentario que hiciste del filme “Os Marginais” de Francis Ford Coppola expones exactamente la misma situación sobre las películas que Coppola tuvo que aceptar por encargo y que no eran proyectos suyos desde el principio. Valoraste con 10 ese filme porque su resultado fue óptimo, a mí me sucede lo mismo con Espartaco, puede que llegase al filme de rebote, puede que si tuviese más libertad de acción el resultado fuese diferente, pero que es una gran obra grandiosa también. Que merece ser incluida dentro de su filmografía, sin duda. De todos modos la percepción de un filme es siempre distinta para cada persona. A todos les encantó Vicky Cristina Barcelona y yo la detesté. Todos se quedaron prendados de Will Smith en Sete vidas y yo no conseguí rozar ese supuesto estado anímico……………
Sobre mi diferencia de opinión en Eyes Wide Shut, aparte de lo que ya comenté, me decepcionó bastante el poco pulso que le dio al filme. Transcurrieron casi 30 años entre La naranja mecánica y Eyes Wide Shut y la primera es arrojada, valiente enloquecedora. La segunda, en una época mucho más liberal y permisiva se queda a medias en muchas ocasiones. Que yo recuerde kubrick nunca tuvo miedo a nada, a nadie, hizo su cine desde su perspectiva, y en Eyes wide Shut toda su profundidad quedó demasiado acotada por una autocensura que a mí particularmente me choca bastante, y que no es propia de él.
Por Isabel (LISBOA)
De Olhos Bem Fechados (Pontuação: 6)
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Odisea espacial de Espartaco con una Naranja guardada en una Chaqueta Metálica, 2009-11-20
Por lo mucho que me gusta Kubrick, pensé que sería de buen agrado deleitarme con esta película en mi comentario número 69.
Que Kubrick es un genio del cine creo que nadie lo duda, que este filme contenga un significado especial por ser su último y por fallecer pocos días después de su montaje, también, pero que sin duda es su peor obra con diferencia, es otra evidencia irrefutable. Todos tienen que tener una peor, para mí es esta (estuve dudando entre esta y “Barry Lyndon”, pero al final “de olhos bem fechados” ganó el merecido premio).
Técnicamente es buena, sobre todo en fotografía, este hombre componía sus colores de una manera monstruosamente perfecta. Dentro de este apartado me encantó el efecto de ese espesor granulado de algunas escenas, cargando la pantalla de imágenes densas y con profundidad de contrastes en los injertos en blanco y negro de esos flashback imaginarios del protagonista. Dominio de luz increíble como ya fue apuntado en el anterior comentario.
Pero en lo demás flojea un poco, ritmo lento, cortes desproporcionados rompiendo el ritmo argumental, y varias líneas de acción desarrolladas que se quedan colgando en el final, con una solución poco creíble (a mí personalmente me gustan los finales abiertos, creo que dan más dimensión a la obra en sí, pero sugerir una conclusión a medias pareciendo que no tienes tiempo para más metraje y apurar así el resultado, no. No me gusta). Algo parecido sucede con algunas escenas en las que vemos realidades a medias, por ejemplo: cuando el protagonista está dentro de la casa y en un plano subjetivo (magistral en técnica) vemos lo que él ve, encima de una mesa hay una pareja de mujeres practicando un 69 con dos máscaras en el rostro, lo que hace de esta imagen una media verdad, ya que están simulando una estimulación lingual. O muestras o no, o das credibilidad a las cosas o no, pero a mitades dentro de lo que supuestamente es una orgía, con esos fallos………se queda un poco ridícula la situación, así como todas las veces que se dan un beso en la boca con las citadas máscaras. Vale, es metafórico, vale, el libro original está ambientado en Viena en otro siglo y esa orgía es una clara referencia al original, pero no por ello deja de ser una media verdad. En este momento se me viene a la memoria la película “O Perfume” (también bastante mediocre sobre todo si has leído el libro), pero la escena de la bacanal en la plaza del pueblo, es totalmente creíble y es a su vez un filme erótico no pornográfico. Kubrick dejó demasiados cabos sueltos en su película a mi modo de ver las cosas.

Argumento que cojea sobre todo en diálogos, sólo se salvan los dos magníficos que Nicole Kidman aporta, el de la confesión (en un monólogo brillante y real como la vida misma), y el final. El resto es para olvidarse de que lo has escuchado y de poca importancia. Lo mejor del argumento se reduce a otra línea más sutil que Kubrick dibuja entre todos los cuerpos y toda la disertación sexual, de relaciones, e infidelidades. El abuso del poder, esto queda definido claramente en la escena en la que Tom Cruise es invitado a quitarse la máscara y le ordenan que se desnude. Para mí es la esencia del filme, retiren sus máscaras, despójense de todos los artificios tal y como Kubrick diseccionaba toda la sociedad que le rodeaba, e imaginaba otras realidades. No son gente de clase media lo que hay en esa orgía sino personas de un status social muy elevado y poderoso, tan poderoso que son capaces de asesinar y salir impunes.
Comparto la opinión del autor del otro comentario sobre este título, de que conseguimos ser voyeurs con facilidad, es cierto, pero un poco más lejos de todo ese voyeurismo del que no es posible escapar, este otro importante contenido está presente y latente en casi todo el metraje, y ahí sí que reconozco a Kubrick, ahí sí veo al genio.

Tom Cruise (Bill). Como siempre patético, que a este hombre se le considere actor, bueno……… yo ya no digo nada. A mí nunca me ha llevado en ningún papel de su larga (para mi desgracia) carrera, más lejos que de un simple aprobado, (A excepción de Valquiria que en breve comentaré). Completamente perdido Tom Cruise en este papel. No te crees que es médico en ningún momento, la escena del baño en el inicio del filme cuando cura a una drogadicta es cuanto menos, extraterrestre. La cura sin nada, con su presencia, a lo mejor es un brujo de una tribu primitiva o un chamán latinoamericano y con sólo un par de plumas y huesos hace milagros………
En el resto es una sombra que se arrastra por un filme imaginando historias, haciendo de detective (debió ser la resaca de las 400 misiones imposibles), intentando acostarse con alguien por despecho (Magnolia le afectó profundamente el cerebro), y en general aburriendo mucho.

Nicole Kidman (Alice) la única aprovechable del elenco y que le enseñó un poco de talento a Tom Cruise. Ella sí está excepcional, radiante, bellísima y con un encanto sobrenatural. Deja destellos deslumbrantes de emociones y un brillo resplandeciente en un papel lleno de un talento imborrable.

Sigo amándote Kubrick, fuiste, eres y serás uno de mis preferidos de siempre, tu cine me ha llevado por un cielo lleno de estrellas muchas veces, acompañándome en muchos momentos de mi vida. En mi memoria guardo tu recuerdo grandioso de fotogramas únicos, originales y evocadores. Mis cuatro filmes preferidos son los que componen el título de mi comentario, en todos ellos, tu visión profética o tu cuidada técnica me hicieron soñar e imaginar que en un mundo paralelo la perfección lleva tu nombre.
Por Isabel (LISBOA)
Dogville (Pontuação: 10)
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La vie en rose, 2009-11-18
Original, cáustica, distinta. Debido a los comentarios efectuados por todos me decidí a alquilarla, es mi primera aproximación a Lars Von Trier, y tremenda aproximación!!!!! Me ha dejado exhausta y extasiada en este insólito filme en el que un escenario gigantesco rezuma estética plástica. En esta producción única no tenemos la seguridad si estamos a asistir a una pieza de teatro filmada o a un metraje teatral. Mímica, “palco” e imágenes interaccionando y ronroneando como un gatito en un sueño artístico inusitado.

Presentación atrayente con una luz y fotografía amarillenta en la más genuina ambientación de una pieza de teatro, para después gradualmente oscurecerse y volverse casi negra en el momento de inflexión del argumento o para demostrar intensidades dramáticas. Grandes planos generales filmados desde arriba abarcando ese gran escenario con exactitud diáfana que nos presenta a todos los personajes al mismo tiempo en una magistral originalidad.
Montaje excepcional en especial la escena en la que Grace viaja dentro del camión, rodeada de cajas de manzanas (de cortar la respiración por su genialidad y simplificación). Paredes y puertas imaginarias que te obligan a asistir con una violencia psicológica a todo lo que visionas te guste o no, como si un corte transversal diseccionase la ciudad y todas las acciones que se desarrollan paralelamente dentro de ella. Filme casi sin atrezzo disponiéndonos a ver más allá de los inexistentes decorados y fijándonos en el enorme significado de los personajes en sí mismos……… todo es diferente, todo son mutilaciones al cine clásico, pero el resultado es absolutamente revolucionario y magnífico.

Hay más, mucho más, en este gran escenario transgresor. La consciencia colectiva de toda una comunidad agrediendo a un individuo que es profanado de todas las maneras posibles e imaginarias. Y el sueño de una vida color de rosa, se vuelve poco a poco en un infierno de esclavatura mental, corporal, sentimental y espiritual. Y te quedas con la impotencia de gritar en muchos momentos, de explotar de rabia contenida por querer entran dentro de la pantalla y decir un par de cosas a cada uno de los habitantes de ese pequeño reducto infame. El guión, es tan pleno y explícito en sus intenciones que de antemano te cuentan lo que va a pasar en otro acto de terrorismo psicológico que te obliga a coger aire para poder a continuar a visionar el siguiente capítulo (9 en total, y a partir del cuarto la cosa ya empieza a tomar un cariz desbordante en intriga, y en los 4 últimos de abrupta violencia mental). No creo que nadie consiga ver la película sin reventar por dentro ante muchas situaciones. Mentiras, agresiones e injusticias pasando por un embudo y recayendo en un único sujeto con el odio más visceral y egoísta que pueda existir. Personalmente, aunque el filme es una obra maestra, por dentro me dejó temblando y no de miedo precisamente, sino de un deseo de venganza y con ánimos homicidas. El final puede no ser políticamente correcto (en ética y moral), pero el cuerpo se queda muy a gusto con el resultado.

Como cierre magistral, a modo de pequeño documental fotográfico, situaciones reales de una crudeza impactante bajo una música de David Bowie “Young Americans” muy apropiada, consumando este infarto cerebral y emocional. (Lo que pienso sobre algunos sistemas paradójicos americanos ya lo sabéis).

Nicole Kidman (Grace). Divinal. Una interpretación que hace olvidar (afortunadamente) filmes como “Mulheres perfeitas” o “Casei com uma feiticeira” ……y nos recuerda actuaciones estelares como “Os outros” o “Cold mountain”. En esta, Nicole kidman es simplemente una insuperable actriz, con todas las letras, subrayadas en grande y del color que más os guste. Ella toda es una transparencia de luz que por veces parece una débil llama que no sabes cuándo se va a apagar, conforme se desenvuelve el personaje ves como se convierte en llamaradas de fuego para en el final, ser un volcán en erupción. Como se creció esta mujer en su interpretación, que versatilidad, todos los planos que inciden en su persona son inigualables, cada silencio, cada palabra, cada mirada y cada gesto son perfectos acoples a cada insulto cada degradación y cada deslealtad. Infinitud de sensaciones recorriendo el cuerpo como impulsos eléctricos.

Paul Bettany (Tom Edison). Si ya me gustara mucho en “O código Da Vinci” interpretando a ese albino con alma negra, en esta, en otro papel menos agresivo en violencia física pero más violento en horror filosófico vacío y falsedad moralista, me fascinó. Que estructura más bien delineada en su absurdo protagonista, que en un homónimo bíblico es una copia exacta de Judas, pero más refinado y retórico. Con palabras cínicas e instintos reprimidos, frustraciones varias que intenta disfrazar bajo su filosofía e ideales elevados que es incapaz de seguir para él propio. Dialéctica que esconde a un ser vacuo y carente de esas verdades que proclama. Traidor de la peor especie y condición vendiendo no por monedas sino por enfrentarse a la realidad de su intimidad más escondida y sucia, la única posesión que como un don precioso la vida otorgó a su pobre alma. Magnífico Paul Bettany llevándonos por el peaje del desprecio y del odio. Arrastrándonos por una fina esperanza de fe acabada en infinita y vulgar cobardía.

Por si fuera poco con lo mencionado, secundarios legendarios apoyan la construcción de esta gran obra con una huella de profunda calidad.
Lauren Bacall (Ma Ginger) Gloriosa y con una expresión gestual de perfecta impresión artística. Cómo se le notan todos los años de buen cine a sus espaldas, ensamblado a su imborrable carisma.
Ben Gazzara (Jack). No hay peor ciego que el que no quiere ver, (como dice un refrán de mi país), y este personaje no sólo es invidente, es la representación de todo lo que se quiere ocultar o deformar de la marginalidad social. Abusador como víctima victimizando a su salvadora, en un giro inexplicable de las debilidades humanas. Pocos minutos pero mucha relevancia en sus intervenciones.

Stellan Skarsgard (Chuk), Zeljko Ivanek (Ben), Grandiosos en sus papeles respectivos aportando las escenas más agresivas. La de Chuk es de un extremo psicológico limite, ya que nos obligan a observar a través de un plano general (oponiendo el acto brutal entre toda la gente ignorando los hechos) siendo el espectador el único que recibe la perspectiva real.
OBRA MAESTRA CONTEMPORÁNEA.
Por Isabel (LISBOA)
Uma História Simples (Pontuação: 9)
Alugar
David Lynch sin complicaciones, 2009-11-16
Para quienes no les gusta David Lynch en argumentos complejos y disfrutó de filmes como “El Hombre Elefante”, esta es sin duda otra película que seguro apreciarán. Deja de lado el misterio, los enredos y su magia diabólicamente enrevesada para deleitarnos con una apasionante aventura biográfica.

“Road movie” diferente, dejándonos recrearnos con magníficos paisajes en una fotografía que es una obra de arte, en imágenes absorbentes, con una luz especial y sorprendente en cada plano. Campiñas, campos de cereales y demás paisajes son rodados en diferentes técnicas todas ellas de calculada perfección. Planos generales filmados en panorámicas horizontales verticales y circulares ofreciéndonos una perspectiva y unos ángulos de cámara vertiginosos y de gran belleza. Desde el cielo en un vuelo a vista de pájaro, la cámara se deja caer en un planear armonioso hasta el asfalto haciéndonos casi oler los maizales, la frescura de sus campos verdes o los caminos pedregosos y térreos.
Planos medios y largos acompañando con gran acierto el espíritu de un hombre de 73 años de edad en su cortacésped y en ese camino metafísico interior. Planos cortos combinados con primerísimos planos cuando las escenas son más intimistas imprimiendo una acción bastante dinámica (al contrario de lo que pueda parecer en un principio, el filme no es lento, se desenvuelve con bastante rapidez).
Guión que es un gran ejercicio sobre las superaciones personales con diálogos de una profundidad y una sabiduría que dan mucho en lo que pensar. Una historia verídica que contada no creerías, en un viaje de casi dos meses de duración que va desnudando el alma de un hombre al mismo tiempo que él desbrava el camino desde Iowa hasta Wisconsin.
Quienes opinan que David Lynch es un cineasta demasiado excéntrico, deberían visionar “Una Historia Simples”, porque todo el filme está estructurado de una manera clásica, dejando constancia de que también cuando quiere, puede dirigir como todos los demás lo hacen y estar a su vez insuperable. Este hombre es un genio y un visionario, por todo lo que hace y por cómo lo hace.

Richard Farnsworth (Alvin) Sus arrugas no marcan su edad sino toda la expresividad contenida de una vida llena de experiencias existenciales. Surcos profundos aflorando a la superficie desde lo más hondo de su corazón y delineando cada sentimiento cada herida y cada marca depositada en su interior. Su circunspección, su calma y su postura corporal son radiantes destellos en este filme. La ternura que irradia es sensitiva y entrañable. Su simplicidad de pensamiento y sus medidas palabras conmueven por completo. Admiras hasta su testarudez y su rectitud tan pronunciada. Viajar con él en ese camino y descubrir sus secretos guardados te lleva lejos de todo, en una limpieza interior asombrosa.

Sissy Spacek (Rose) Por mucho que me esfuerce por evitarlo, siempre la asocio a su terrorífica “Carrie”, dándome un miedo de esos que se meten en el cuerpo y no te dejan dormir con la luz apagada en varios días. Su papel en este filme es una actuación espléndida y extraordinaria dentro de un registro dramático interpretando a la hija del protagonista,( muy distante de ese primero pero igualmente bueno). Su desempeño debido a las características del personaje es complicado, y ella lo transmite con un desprendimiento y una calidad impresionantes, en todo momento sostenido por esos ojos tan expresivos que tiene, y su personal cualidad artística encarando a este sensorial personaje.
Por Isabel (LISBOA)
South Park - O Filme (Pontuação: 8)
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Oh nooooooooo!!!!! Han matado a Kenny…………Hijos de _ _ _ _!, 2009-11-14
Como un conocido mío “jeitoso” diría: CRÍTICA MORDAZ en este filme de dibujos animados. Yo le añadiría ironía, sátira y sarcasmo provocador que hacen las delicias del que visiona South Park. Seres diminutos irreverentes y caóticos cuestionando cada aspecto que los rodea, en preguntas directas para las que nadie tiene respuesta válida.

Líneas simples geométricas en dibujos poco elaborados con puntuales fotografías reales para ciertos personajes a modo de “collage”, sirven como receta mágica para empaparnos de lleno en el transversal mensaje de South Park. Colores vivos descriptivos de la significación colateral implícita en cada personaje y de la faja etaria de los protagonistas. Banda sonora adecuada a cada escena y delineando a su vez a los personajes, en una parodia a los musicales Disney (no podemos olvidar que South Park es un musical). Y sobre todo CONTENIDO, gran contenido explícito e insinuante es lo que saboreamos en esta animación.

South Park sufrió cambios profundos en su historia televisiva, este filme no es un capítulo, (como su propio nombre indica “Bigger, longer & uncut”) es la fusión y ampliación que por cuestiones de tiempo no se pueden abarcar normalmente, dejándonos una obra sólida y más elaborada en argumento y mucho más completa. Aunando todas las características genéricas de la serie televisiva. El guión es sencillo. Una película extranjera desencadena reacciones extremas llevadas al límite de lo absurdo iniciando un conflicto internacional. Irrealidad y fantasía mezclándose en la trama con cuatro niños en el medio intentando salvar a la humanidad de la estupidez total. Brillante, a veces me pareció asistir a un concurso: Quién quiere ser el adulto más idiota del mundo?
En ese conflicto internacional quedan al descubierto interesantes conceptos como la libertad de expresión, el racismo, la doble moral, la intolerancia, el poder político y militar, el abuso de la información como medio de manipulación, la discriminación en todas sus variantes (religiosa, étnica, material, sexual, social……………), en una punzada dolorosa de realismo.

Humor en todas las combinaciones existentes, negro, político, social, sexual, escatológico, metafórico………… que estos niños derrochan a cada escena en una voz que se eleva como denuncia clara ante el puritanismo hipócrita, el racismo, la pobreza, y las medias verdades del entorno que les rodea. Una protesta visceral en preguntas “inocentes” e “ingenuas” en una búsqueda incesante de respuestas. Todo es cuestionado compulsivamente y observas como ellos propios paradójicamente son los únicos capacitados para resolver y actuar de modo racional y lógico. Adoro este filme, curiosidad infantil desabrochando los botones de las vestiduras hipócritas y clasicistas dejando en abierto su perversidad ostentosa.

Las polaridades más acentuadas se concentran en dos de sus personajes principales, Cartman y Kenny.
Kenny. Representa en su anaranjado color la pobreza y la clase social más desfavorecida. Siempre es el más perjudicado y el más ignorado como en la realidad actual en el que todos damos la espalda a este problema. Por eso siempre muere, en un intento de que las consciencias se tranquilicen y “resuelvan” el problema de manera rápida. Otro hecho significativo es su voz imperceptible, una llamada de atención ante las injusticias de una clase que no tiene medios para defenderse. Silenciar su voz es silenciar “oportunamente” la realidad existente en el reparto de la riqueza y del sistema capitalista. Así como obviar la precariedad y la dificultad de subsistencia que este sistema encubre. Es importante reflexionar porque Kenny es siempre sacrificado, porque es discriminado, quedando siempre en el desamparo total y sin posibilidades de mejorar. Condenado “a priori” desde su nacimiento.

Cartman. Curiosamente vestido con los colores de la bandera americana nos deja claramente implícito que es la representación del gobierno y de una parte social más favorecida económicamente. Narcisista, egoísta, egocéntrico. Prácticamente sin consciencia moral y ética. Miente, engaña manipula…………… y cuando nada funciona, ataca sin piedad al igual que el comportamiento bélico del país que representa. Misógino, racista, intolerante, transgresor, violento como la sociedad que lo ha parido. Todas las lacras morales se precipitan en su personalidad formando un individuo con tintes fascistas, que no se mueve por nada ni por nadie que no sea el propio. Denuncia satírica de la doble moral y el puritanismo, concentrado en su madre, una “porno star” que socialmente es aceptada por todos. El propio Cartman acepta esta dualidad como forma de autoprotección. Su fidelidad es siempre cambiante a los intereses que más le convengan en un cúmulo de situaciones prodigiosamente cómicas e hilarantes pero reflexivas.

Concluyendo: Puedes divertirte sin más con esta película disfrutando de sus situaciones ridículas sin más, o puedes ver South Park como un referente esencial de vergüenzas desenmascaradas.
Por Isabel (LISBOA)
Trainspotting (Pontuação: 10)
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Redención entre las venas, 2009-11-12
Gran recuperación por parte de Cineteka de este “clásico”.
Trainspotting, trainspotting, trainspotting………… es como un eco que se devanea entre la memoria, de lejos llega una primera imagen y encadenada a esta las restantes se suceden………… y vas recordando casi todo, el vacío se llena de agujas, de venas y escalofríos, unas imágenes que después de ver por primera vez nunca se olvidan. Recuerdos ásperos arañándote las entrañas y resquebrajando la piel.

Hay muchas películas reflejando el mundo de las drogas, desde todas las perspectivas y de muchas condiciones, esta es una de las mejores porque no es una historia más, es “La historia”, no critica, no juzga, no valora. Te presenta los hechos sin más, y uno mismo elige una opción. Delante de ti desfilan todos los personajes y sus elecciones desde un punto de vista imparcial. Cuenta, narra, te envuelve en las vidas de los protagonistas y deja que escojas.

Boyle está insuperable recreando habitaciones y espacios reducidos en los que los implicados se chutan, viajan, se chutan, se abandonan adormecidos, se chutan y vuelven a caer en ese vacío con una sonrisa entre los labios, que te paraliza instantáneamente. Imágenes rápidas y cortas con fotografía amarillenta centradas en unos ojos entreabiertos de rostros blanquecinos, perdidos entre las ondas suaves de los efectos alucinógenos que todos experimentan. Esta calidez me encoge el corazón. Después se oscurece todo y enfrentamos la otra cara de la moneda de ese mundo con una fotografía más gris y tenebrosa angustiándonos en lugares sucios y sombríos con realidades más duras. Fotografía clara y luminosa en exteriores como un balón de oxígeno entre las subidas y bajadas de la heroína y de toda la acción. Que dominio de luz tiene esta película, define la situación espacial y temporal, la intensidad dramática y la acción.
Montaje fluido confiriendo rapidez a la acción del filme, con planos cortos y medios.
Humor para relajar un poco en el filme entre todo el dramatismo, violencia, surrealismo……… todo es un compendio espectacular.
Banda sonora con diversidad de estilos pero con una calidad extraordinaria desde Iggy Pop “La iguana” camaleónica dejando su colaboración nostálgica, música latina dejando un ritmo exótico, y mucho más : “2.1” de “elástika” , “for what you dream of” y el maravilloso tema de la escena final (con recuerdos personales de noches bailando hasta el amanecer). Esta película lo reúne todo.
Escenas que siempre sorprenden y sobresaltan mezclando realidad y el mundo cotidiano en contraposición al mundo personal en dónde inyectarse es la única prioridad o necesidad. Estar enganchado y limpio una y otra vez como una rueda que gira sin parar en un agujero en donde el cuerpo está inmóvil y la mente vaguea por sueños oníricos o pesadillas enfermizas. Esta lectura es una de las muchas que trainspotting encierra.

Me recuerda mucho a otra película Alemana del 81, “Christiane F”, sólo que esta es una biografía y técnicamente es inferior. Las imágenes de trainspotting en la que el protagonista se desintoxica encerrado en su cuarto son bastante parecidas con la de Christiane F. También angustiante y con una vista menos imparcial, pero igualmente dura. Mostrando el proceso de adicción en una niña de 13 años, y las consecuencias de esa adicción. Recomendable si te gusta Trainspotting.

Guión magistral que resume la vida de unos personajes peculiares en todos los aspectos, cada uno con personalidad propia y atributos especiales bailando en el filo del peligro, con diálogos que a mí particularmente me desarman por completo:
_Elijo no elegir la vida, yo elegí otra cosa, ¿Y las razones? ¡No hay razones! ¿quién necesita razones cuando hay heroína?
Me dejo muchas cosas que quería comentar, pero hablar de todo es imposible, bueno………sería demasiado largo.

Me gustaron todos los actores, todas las interpretaciones son fantásticas, en especial Ewan McGregor (Renton) Uno de sus mejores trabajos de siempre. Cada célula de su cuerpo se rebela delante de tus ojos en una extraordinaria y repleta bandeja suculenta de talento y de sensaciones. Desde una aguja pinchada en su brazo hasta sus delirios resacosos, por su viaje placentero y su cuerpo retorciéndose en el dolor. Entre su pensamiento drogadicto y su pisque rehabilitada. Todo, absolutamente todo te hace vibrar y que su personaje produzca una explosión controvertida dentro de ti, como filamentos invisibles que te van atando a su persona.
Por Isabel (LISBOA)
Hair (Pontuação: 8)
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La prodigiosa era de "Aquarius", 2009-11-10
No soy muy aficionada al género musical, este es uno que por su contenido hace que no me pueda resistir. Me apasiona esta película en apariencia divertida pero llena de mensaje.

Milos Forman en su genuina forma acostumbrada traslada a la pantalla este musical de Broadway en coreografías armoniosas y una música brillante. Imágenes preciosas en colorido reseñando el espíritu de la época en escenas llamativas y expresionistas. Su técnica no es de la mejor, pero el contenido es esencial. Mi frase preferida es pequeña pero siempre que es pronunciada me sobresalto ante su simplicidad y su tremenda acotación significativa:
_ Los blancos mandan a los negros a la guerra contra los amarillos para defender el país que le robaron a los rojos.
Y entro en delirio……………, cómo en tan poco se puede decir tanto y de una manera tan sencilla. Resumen perfecto de este filme poderoso en dejar constancia de una guerra absurda prolongada por tres administraciones diferentes de gobernantes que sabían que estaban mandando a sus hijos a una carnicería en la que no podían vencer. No recuerdo el nombre del filme que es un filme televisivo protagonizado por James Spader en el que se documenta todo el proceso del Vietnam bajo unos informes secretos (este documento es real) con las implicaciones sórdidas y sucias de intereses estadounidenses. La película en sí no vale de mucho y es muy lenta pero muy esclarecedora.

En Hair la propuesta de Forman es más ligera y entretenida, pero el mensaje es el mismo: No a la guerra. En una declaración pacifista y de derecho a la libertad de pensamiento y acción. Derecho a poder escoger una opción diferente en hombres y mujeres que defendieron una manera de vivir sin ataduras. Lástima que toda esa belleza fuese corrompida por las drogas y ese movimiento tan precioso se autodestruyese de esa manera. En Hair hay una escena en la que Milos forman recoge este hecho bajo el surrealismo en el que un hombre reparte como si fuese un diácono LSD y el protagonista entra en una iglesia imaginaria en un viaje sorprendente, (no estoy haciendo apología de las drogas, sino todo lo contrario, me gustó la escena por el alto contenido ideológico que encierra contraponiendo las estructuras más clásicas y fundiéndolas en una sola, el amor entre dos personas con el derecho de no querer tener formas clásicas de expresión, disolviendo las religiones a una única, reclamando el derecho de vivir y sobrevivir bajo la idea de un mundo mejor y más positivo). Este fue el gran mensaje de una generación, que consiguió aunque sólo fuese por poco tiempo y sin saber muy bien lo que estaban haciendo, generar unos ideales inocuos y limpios.
Nos sumerge también en la historia del movimiento Hippie y su camino, soberbia la escena final de millares de personas a cantar “Let the sunshine in”.

¿guión flojo?, puede ser……… pero la crítica social y política antimilitarista es demasiado buena como para no clasificarla bien.
¿Actores poco sólidos?, puede ser………pero Treat Williams (Berger) y su cara en el pelotón antes de embarcar a Vietnam sabiendo su destino y manteniendo su postura hasta el final no tienen precio. (Aparte del magnífico nuevo sentido que aporta a la palabra valor y consecuencia).
¿Historia ya demasiado vista?, puede ser…………pero sólo para los que las palabras amor libertad y amistad no sean significativas.


Me encanta esta nueva sección de reposiciones, más por favor. Let the sunshine, let the sunshine in, the sunshine in………………….
Por Isabel (LISBOA)
América Proibida (Pontuação: 9)
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Proclamación antiracista clamorosa, 2009-11-07
Imprescindible su visionado de cuando en cuando para pensar un poquito sobre la manipulación ideológica, la intolerancia y el racismo en sus más variadas formas. Espléndida película que te hace recorrer una irracional pero actual realidad social y política que podría desenvolverse en cualquier parte del mundo.

Tony Kaye explora estos caminos neonazis bajo una técnica sorprendente de imágenes bastantes contundentes y con sabor amargo. En una estructuración singular en forma y en color combinando el tiempo pasado con el presente y alternando la fotografía en color con el blanco y negro. Apertura de filme con una hermosa playa en blanco y negro, cierre con una paradisíaca playa en color. Flashback en blanco y negro definiendo los tiempos dramáticos, flashback en color para los recuerdos felices, originando así la asociación entre la felicidad\ tristeza, de una manera instintiva y directa en el espectador. Pasado en blanco y negro, presente en color diferenciando así el paso del tiempo. Todos son contrastes de refinado pensamiento estructural que nos predisponen intuitivamente y nos adaptan en todo momento a la comprensión inmediata del filme. Imágenes en cámara lenta en varias escenas de gran contenido violento o dramático destacando su importancia visual, unidos a su vez a planos cortos y primeros planos para dar continuidad a la acción desarrollada. La escena de las duchas dentro de la cárcel es un claro ejemplo de toda esta técnica reunida y el efecto es sobrecogedor. Banda sonora sinfónica moldeándose a la acción en perfecta sintonía, intercalada con sonidos ska, y un final absolutamente delicioso en un cántico casi angelical.

Argumento sencillo en dónde se muestra lo fácil que es crear un caldo de cultivo y sembrar la semilla del odio dentro de una mente humana. Lo simple que es manipular con ideologías explosivas basadas en hechos históricos deformados y fanatismo a una persona. La otra línea argumental es la transformación y la llamada a la razón del protagonista principal, en una dura vivencia personal, familiar y psicológica entre el odio y el radicalismo más absoluto hasta el descubrimiento de toda la mentira que su organización encierra. Diálogos de una prosa dialéctica sin igual y dos monólogos entre ese argumento que son un debate y una crítica poderosa pro y anti neonazi de gran contundencia.

Edwar Norton (Derek Vinyard) Extraordinario en todo el filme. Da vida a su personaje en una actuación sin precedentes y con un arrojo espectacular. Todas sus escenas son un llamamiento a las más variadas sensaciones y diferentes estados que comparte con todos nosotros en una caracterización sorprendente y terrorífica. La escena principal cuando es arrestado y su hermano es el punto de inflexión de la cámara es de una crudeza y un impacto escalofriante. Creo que es uno de sus mejores trabajos de siempre. Su desempeño ante la cámara en este filme y su fusión profunda con el personaje son de una belleza extraordinaria. Recibes desde la pantalla cada sentimiento de odio, de violencia, de pena, de angustia, de redención…………cada lágrima, cada sonrisa, cada golpe……… todo te llega hasta la médula.

Edward Furlong (Danny Vinyard) En la misma altura interpretativa de su compañero de reparto en una apoteósica actuación. Narrador de la historia en primera persona y con una visión bastante imparcial de todos los hechos, lo que favorece sus dos cambios radicales dentro del filme. Es arrastrado dentro de la vorágine destructiva de la historia por una identificación y mistificación de la figura del hermano como modelo de vida que él asocia como su referente paterno. El final es grandioso en su riqueza de pensamiento y Edward Furlong nos lo entrega en fascículos llenos de sabiduría y exaltada consciencia.
Por Isabel (LISBOA)
História de Gangsters - Edição Especial (Pontuação: 9)
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Lo mejor de Joel Coen, 2009-11-03
Recreación y un enorme tributo al cine negro, señales por todas partes de una época cinematográfica al insuperable estilo de Bogart y Cagney. Mafia, tiroteos de metralletas que destellan luz y expelen humo, traiciones, “vendettas”, una mujer y policías corruptos. Todo agrupado en camadas de imágenes envolventes.

Joel Coen en una maravillosa película rinde homenaje y resucita este género con una fervorosa obra. Un comienzo como El Padrino nos presenta a los tres personajes principales, en una ambientación extraordinaria y fértil en caracterización, vestuario y colorido. Escenarios cuidados y promisores del despliegue cinematográfico que se desarrolla a continuación en esa escena que define la línea argumental y el resto de la acción. Presentación única y hermosa con un diálogo en el que la palabra ética saliendo de los labios de un gánster te alerta y vaticina que estás ante una grandeza,(desde ahí me quedé yo fielmente enganchada al filme), intuyendo que no vas a tener una perfil unidireccional, sino un itinerario plagado de trayectorias y dimensiones más complejas.
Sobre la técnica en sí solo una palabra: PERFECTA. En todos los planos, en todas las imágenes en todas las escenas. Destacables dentro de este apartado los planos subjetivos y el vuelo de un sombrero planeando entre la hierba de un bosque representando la esencia de la muerte que se avecina. Los estupendísimos planos generales con dos figuras en el centro solitarias minúsculas en tamaño pero grandes en dramatismo. Cada primerísimo plano expresando todas las emociones que un ser humano puede sentir, bajo un ritmo inquietante y misterioso. Y si la memoria no me falla varios travellin majestuosos en planos generales uno de ellos con la cámara invertida y mirando hacia el cielo. La música ensoñadora con ligeros toques irlandeses en su composición armonizando y evocando los orígenes de uno de sus protagonistas. Como telón de fondo algunas notas de jazz cuando entras en los clubes recordándonos la época. Y el resto una banda sonora con melodías más potentes para las escenas que marcan más acción.

Argumento clásico pero lleno misterio en el que las posibilidades del desenlace son varias y no sabes por cual decidirte. Trama que se complica en torno a los tópicos del género pero que presenta también novedades. Intriga en la que no sabes en quién confiar, en dónde los motivos no son siempre evidentes y las traiciones aparentes. Una historia de amor poco convencional por el desarrollo de la misma en un triángulo imposible de descifrar hasta el final, y una decisión tomada por un hombre que cambia el destino de todos y hace que los personajes envueltos en la trama ganen y pierdan simultáneamente, con lo que el guión enriquece en originalidad y en visión particularmente. Diálogos en los que se introduce el humor sarcástico e irónico en algunas escenas. En esta parte es obligatorio mencionar los diálogos entre Gabriel Byrne y Marcia Gay porque por veces me hicieron recordar mucho las frases con las que Rita Hayworth y Glenn Ford se mutilaban y se lapidaban mutuamente en su relación amor-odio de la gran “Gilda”.

Gabriel Byrne (Tom Reagan) Delirantemente bueno y no sólo por su interpretación, sino por todo el contenido que su personaje implica. De lujo y con una pericia interpretativa soberbia. Sorprendente y agudo en su interior repleto de incógnitas. En sus elecciones personales y sus lealtades. En su calculada frialdad y sus medias palabras. Qué bueno es todo lo que este hombre nos hace llegar en ráfagas de intensidad enaltecida por la profundidad de su intrincado personaje. Un punto de interrogación que nos mantiene colados a cada unos de sus gestos.

Marcia Gay Harden (Verna) Se ajusta al personaje divinamente. Encierra a través de ella todos los tipos de amor existentes (filial, romántico, sexual, comercial………) y todos ellos los rebosa en una magnitud gloriosa. Todos estos sentimientos tienen cabida dentro de ella y los alterna con una postura corporal y gestual radiantes. Te dejas llevar por su espíritu dividido y divisorio en ondas de cargada emoción.

Jon Polito (Caspar) En sus espaldas carga con todo lo que el cine negro representa, con lo que imaginamos en nuestra cabeza que un gánster tiene que ser. Y este hombre físicamente e interpretativamente reviste su piel en este papel con maestría y con un acierto fantástico. No hay escena en que su presencia se escape de ser el punto donde se concentra la atención. Temperamental, violento, agresivo y por veces cargante, pero siempre en la medida justa, sin sobreactuar, delimitando su personaje narrativo con expresividad y mesura.

John Turturro (Bernie) Representa a la manzana podrida dentro del cesto, con todas las cualidades humanas pútridas y malolientes. Pero también es la denuncia ante toda la hipocresía de un entorno por ser diferente. La declaración encubierta del derecho de vivir en nuestra vida como nosotros queremos y decidimos. Asociar este personaje con su sexualidad y todos los estereotipos y clichés por su religión fue lo único que no me gustó en todo el filme. Sé que seguramente esto fue una manera de mostrar lo contrario, y de ocuparse de los preconceptos de la época que representa, pero en el fondo, la duda o tener esa duda no me gustó. Es una asociación poco afortunada. De todos modos, John Turturro está genial en este atípico y difícil personaje, cambiando de registro según el climax pretendido y en todos ellos se destaca generosamente.
Por Isabel (LISBOA)
O Assassínio de Jesse James Pelo Cobarde Robert Ford (Pontuação: 4)
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Si John Ford resucitase........, 2009-11-02
Western? Puede ser clasificada así pero entonces si esto es así, es un mal western. Craso error de mi parte visionar este filme después de "Unforgiven". Quizás fuese eso lo que me ha hecho menospreciar esta película.

En un paralelismo literario me hizo recordar a “Crónica de una muerte anunciada” del grande Gabriel García Márquez en que es proclamado a los cuatros vientos un asesinato y todos sabemos el desenlace desde la primera línea del libro, pero así como la novela se introdujo en mi cabeza de un solo tirón en pocas horas, este filme se hace pesado y lento sucumbiendo a momentos de auténtico sopor y agobiante desesperación porque parece que no avanza.

Andrew Dominik dirige este evento filmográfico de una manera bastante buena en los primeros 15 minutos, con planos asombrosos, y desenfocando los planos generales para centrar en un punto concreto la atención de la cámara, un buen recurso, pero después de repetirlo más de 20 veces en el filme ya estás más que harto de esa técnica (mucho de lo mismo no funciona señor Dominik, baja la calidad). Buena fotografía tanto en interiores como en exterior. Buena ambientación, vestuario y caracterización. Dos planos (si no recuerdo mal) (no pienso visionarla otra vez para comprobarlo……) en que los cortes se hacen con encadenados magistrales. Y varias tomas panorámicas de absoluta locura. Fue una lástima que todo esto se viniese abajo por el abuso del desenfoque. Ritmo lento en todas las escenas, tan sólo se salvan los 15 minutos iniciales. Desarrollo con la velocidad de una tortuga coja de dos patas en el desenvolvimiento de la acción dramática. Aún por encima y para más pecado, el enfoque humano y psicológico que quisieron alternar como en “unforgiven” es tan superficialmente tratado, que fue como ver un apetecible souflé de chocolate recién salido del horno a desinflarse.
Banda sonora que te atormenta casi todo el tiempo como un murmullo taladrándote la cabeza, repitiendo una y otra vez el mismo motivo sonoro irritante.

Pensé que me iba a encontrar con un fenómeno como el gran y genial Western “El hombre que mató a Liberty Valance” (The man who shot Liberty Valance) del grandioso John Ford, con tres magníficos: John Wayne, James Stewart y Lee Marvin. Y me encontré con un western en el que se disparan menos balas que en un templo budista (exceptuando la escena inicial), en el que no hay caballos al galope sino trotando en un paseo campestre, en el que no hay sheriff (es sustituido por políticos vestidos de gala), y en el que la palabra acción es una mera expectativa del espectador ya que es inexistente en todo el filme. (Al final del filme ya te da igual todo, sólo esperas que lo maten de una vez, no importa cómo y que salgan los créditos finales). Definir toda esta trama trágico-dramática como decepción se queda corto como descripción.

Brad Pitt (Jesse James) Creo que hasta el Brad Pitt se aburrió mucho con el filme porque no le cambia la cara en las dos horas y media de película, registro plano roto en una única escena (cuando maltrata al niño), en el resto………………………. pues a ver esa cara de piedra que tiene cuando el papel está tan vacío como este. Como soy mujer y el señor Pitt está de muy buen ver, aún le saqué un poco de provecho, pero me gustaría mucho saber la opinión del sector masculino ante esta pésima actuación.

Casey Affleck (Robert Ford) Si lo que querían era provocar repugnancia, lo consiguieron. Es repulsivo desde la primera imagen, el único que hizo creíble el personaje en una representación llena de todos los matices y todos los sentimientos que eran necesarios. Desde su ciega y fanática admiración por Jesse hasta su traición y su paulatina decrepitud moral y psicológica. Asistir a su transformación en verdugo y verle víctima de todo su entorno salvan de la mediocridad absoluta al filme.

Sam Rockwell (Charley Ford) Justito, aprovechable en casi todas las escenas, se fue creciendo con el personaje y al final casi lo disfrutamos con entusiasmo. Creo que tanto diálogo desmejoró a todos los personajes y a este en particular, pues la expresividad tan buena de Rockwell sobre todo en la segunda mitad del filme es extraordinaria.

Mary-Louise Parker (Zee) En su línea habitual, cara de agonía que tiene dos registros: ojos semicerrados y boca sin sonrisa para demostrar melancolía, tristeza, orgasmos y demás estados anímicos, ojos abiertos como platos y boca sin sonrisa para los papeles en los que tiene que demostrar terror, miedo o ansiedad. A lo mejor debería darle un poquito a ese cáñamo que tanto cultiva y animarse más, como mínimo conseguiríamos verle algún diente de cuando en cuando. Con lo guapa que es esta mujer y lo poquito que se esfuerza…………….
Por Isabel (LISBOA)
Laranja Mecânica (Pontuação: 10)
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Para siempre obra maestra, 2009-11-01
No recuerdo con exactitud cuando la vi por primera vez, sí recuerdo perfectamente cada impacto, cada sensación entrando por las pupilas y registrándose en el cerebro, imágenes grabadas a fuego y quedándose en un espacio específico para siempre dentro de él.

Visionario, profeta, iluminado Kubrick, en esta efigie cinematográfica. Obra que no importa cuántas veces visionas, sorprende todo en ella cada vez. Nunca te acostumbras a sus magníficos y violentos planos, conserva la virtud de golpearte de lleno en cada visionado. Sabes lo que va a suceder pero ingenuamente quieres “pretender” que no te va a afectar, y no………… el miedo se instala una y otra vez en lo más hondo del alma entre las notas sinfónicas de Beethoven. No es una lectura lineal la que Kubrick nos regala en sus imágenes, es mucho más, en un acto de lucidez imagina un mundo que se ha hecho realidad con el paso del tiempo en el que la violencia forma parte de todos nosotros día a día. No es tan solo las drogas, las violaciones las agresiones y la ultraviolencia lo que denuncia, sino la esencia que lo provoca dentro de cada individuo, la búsqueda de esa raíz profunda y destructiva y su posible o no eliminación. Acompasándolo con toda la perversidad corruptora política, familiar y social………… manipuladora y sectaria. Sí, Alex es muy malo, realmente diabólico en un interior enfermizo y psicopático, pero es el producto de todo lo que lo ha generado, de unas normas que no funcionan bajo un régimen castrante y obsoleto, incapaz de reaccionar con acierto y haciendo aguas en responsabilidades sociales. Conductivismo como realidad filosófica en pura regla es lo que denota esta película, sus pros y contras en esa investigación del mal como instinto primario en el hombre.
Nos sitúa en un hipotético futuro y nos enseña su versión más dura de una juventud sin estructura de comportamientos entregados al hedonismo a través de la violencia sin estímulos y sin pizca alguna de valores morales, sin ética y carentes de remordimientos o culpas. Se rodó hace ya 38 años y la problemática que imagina es una realidad actual. Es debido a eso que este filme no ha perdido calidad, cualidad y ha soportado tan bien el paso del tiempo.

Técnica cuidada y especialmente sensorial como todo lo que hace Kubrick. Señalar la fotografía de contrastes entre el blanco inmaculado de los uniformes y la estética pop setentera en destalles de colores explosionando puntualmente.
Contrapicado alucinante en la escena en la que el escritor identifica a Alex y se retuerce casi catatónico. Primeros planos en las escenas de violencia aumentando la angustiante atrocidad, primerísimos planos centrándose en la mitad de los rostros para indicar los procesos catárticos de los personajes en un dramatismo que te duele en el alma. Planos medios y generales para aportar un poco de calma entre tanto frenesí y dureza de imágenes para poder respirar entre cada escena. Montaje expresivo y contundente en todo el filme en especial en el tratamiento de Alex cuando visiona los documentales, soberbio.
Kubrick también ideó un lenguaje específico para el grupo de Alex, con tintes soviéticos, pero en plena guerra fría esto no es de extrañar. Es una más valía dentro de este filme con continuas referencias a la segunda guerra mundial, al nazismo y a los diferentes regímenes políticos en decadencia. Una clara referencia a esa lucha entre el bien y el mal, existente en todo el filme.
Sexo en todos los estados posibles y condiciones, agresor y con tintes freudianos acoplándose en cada imagen, en cada acto y como “atrezzo” delineando la caída de Alex y su final recuperación en un bucle purgante en el que el mal vence por encima de todas las cosas. Ese final es grandioso, inhóspito y dicotómico, pero reveladoramente enorme y monstruoso.
Banda sonora banalizando a la sociedad burguesa e intelectual de la época e introduciendo al pobre Gene Kelly como un elemento satánico en un ritual macabro con su “cantando bajo la lluvia” que nunca más pude escuchar de igual manera después de visionar la naranja mecánica………… Todo es una radicalización extremista que nos enfrenta a nosotros propios.

Malcolm McDowell (Alex) Extraordinario desde el primer plano hasta el último, su imagen es un escalofrío constante, sus ojos azules como el mar son tan imponentes que sientes en toda la piel ese picor incesante de su frialdad despiadada. Víctima y verdugo, asesino y asesinado por dentro. Violador y violado en su libre albedrío. Manipulado por toda la clase política y a su vez manipulador en ese pacto final en el que se aprovecha de lo que le están ofreciendo y se vende……….. consciente de que es su mejor opción entrando en ese juego tan sucio. El asco que me produce esa elección no es expresable por palabras sino por vómitos. No soy capaz de sentir lástima por él en ningún momento. Quizás soy un poco severa, pero el ojo por ojo aquí no está de más, es un acto contra la impunidad en la que él propio se escuda. Brillante McDowell, enérgico y levantando desaforadas pasiones y sensaciones en cada imagen. Levantando ampollas en la piel y en el corazón, dividiéndonos en trozos minúsculos de emociones sin igual.
Por Isabel (LISBOA)
Imperdoável - Edição Especial (Pontuação: 9)
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Epílogo del western, 2009-10-31
Un western como nunca fue concebido antes. Resumen de una obra de arte de los 90 de hechuras clásicas en formato pero que nos enseña el reverso de la moneda, radicando ahí su belleza y su resplandor.

Clint Eastwood de nuevo forjando una leyenda en fotogramas singulares y magníficos donde todo es perfecto y cuidadosamente planteado. Fotografía difícilmente superable con toques tostados, castaños y marfileños del mismo sabor que la tierra que pisan, o la madera bajo la que se cobijan. Primera y última escena con siluetas en la penumbra y un fondo dorado en el que a modo de postal en un plano general vemos como el protagonista se diluye y desaparece………… y nosotros con él, embargándonos por todas las emociones que esas dos escenas representan. Montaje diferenciado en las escenas más violentas una rapidez furiosa y unos planos más largos adecuando el ritmo a las reflexiones y situaciones más intimistas. Primeros planos escalofriantes en el verdadero duelo al estilo más clásico del género western, planos medios y generales para las demás escenas diferenciando así también las intensidades dramáticas…………
Todo perfecto, todo en sintonía en una banda sonora que acompaña a su vez al milímetro y nos mete más de lleno dentro de las tripas (si eso es posible) de Unforgiven.

Argumento atípico en un western donde a pesar de reunir todos los tópicos del género con maestría, también nos dibuja una sonrisa amarga en los labios con las consecuencias que toda esa vida conlleva. Vemos el antes y el después de un pistolero, en un argumento sin igual donde el resultado es una proclamación de la no violencia, declaración de intenciones y el alto precio a pagar por los actos que se cometen. Genio, genio, genio. Clint reaviva un género de una manera que nos machaca por dentro pero que indudablemente es una alegoría original al western. La escena del abandono de Morgan Freeman resume ese guión en dos imágenes contundentes y arrolladoras, pero ineludiblemente crueles y devastadoras.
Duelo final de vértigo, quién no se estremece ante Clint Eastwood con el rifle en la mano y un monólogo escalofriante?. La tensión que genera su voz es angustiante, parece que las palabras toman sentido dentro del cerebro segundos después, es tan intenso que la información se compone por partes, toda junta no se consigue.

Clin Eastwood (Bill) Genuino y grandioso en este desarrollo bidimensional Eastwood. Forzado a retomar un pasado que le duele en toda el alma, es el único que tiene fondo suficiente para terminar el trabajo encomendado. Su extrema fragilidad ante ese aspecto es conmovedora. Caudal desbordado de odio en el climax del filme imponiendo justicia. Ruptura definitiva con su pasado tormentoso en el final, aceptando sus errores. Un rostro con cicatrices visibles, un alma con cicatrices indelebles rebelándose ante unas palabras llenas de emoción: Yo ya no soy la misma persona. Cambié, ya no soy igual. Alucinante Eastwood, casi alienante, desde el principio al fin.

Morgan Freeman (Ned Logan) Actor de la cabeza a los pies en este filme, conductor de la renuncia, inductor del paso del tiempo, preceptor de la irreversible realidad, espejo de la reflexividad. Dramático en la segunda mitad con ligeros apuntes cómicos en la primera parte. El desenvolvimiento de su personaje gana terreno a cada minuto de metraje y nos lleva de la mano como niños en un día de fiesta, sorprendiéndonos.

Gene Hackman (Little Bill) Para mí su nombre y su personaje son una metáfora de el alter-ego de Eastwood (Bill- Little Bill) Más sanguinario que el propio Bill en sus tiempos de pistolero pero cobardemente amparado bajo el sombrero de un agente de la ley. Hackman nos transmite su prepotencia, su orgullo desmedido y su odio con cada gesto. Impunidad y bajeza de un hombre que comparte destino con Bill pero que a la hora de la verdad se reforma en un sheriff pretencioso, imponiendo su justicia de un modo parcial como un dios todopoderoso. Brillante Hackman en Unforgiven, sólido y representando este tipo de papel que tanto se ajusta a su malévolo perfil.
Por Isabel (LISBOA)
Snatch - Porcos e Diamantes (Pontuação: 9)
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El arte de copiar a Tarantino, 2009-10-30
Visionar Snatch es ver reflejos de Tarantino en todas partes, pero no como un plagio absurdo, sino personalizándolo con el propio estilo personal. Por eso me encantó Snatch, porque a pesar de tener una ambientación al estilo de Pulp Fiction, Guy Ritchie dirigió en este formato y dio alas a su imaginación.

Gran sentido del humor que Ritchie derrochó en los diálogos de Snatch muy al estilo de Reservoir Dogs, entre una mezcla de personajes a cual más absurdo que el anterior, en una trama que se va complicando en cada escena a pasos agigantados y juntando a los protagonistas en un enredo facetado de sucesos infortunados (idéntica estructura argumental que Pulp Fiction pero sin saltos temporales).
Lo que más cuesta de soportar en el filme es la presentación de los personajes, ya que son tantos que los primeros 15 minutos se van en eso, pero a medida que nos familiarizamos con ellos la historia se desenvuelve con tanta rapidez que ya estás sumergido dentro de ella, degustando su humor negro y todas las situaciones que la acompañan. Montaje perfecto que confiere ese ritmo acelerado y descontrolado cimentado y sustentado por una fotografía destacable. Flashback justos y precisos. Primeros planos en dos escenas que parecen un duelo entre los protagonistas al más estilo western. Plano subjetivo maravilloso en el que presenciamos un asesinato dónde sólo vemos el resultado al final de la escena mientras escuchamos la voz del moribundo a decir que no está muerto (de genio esa escena). Tiene tanto contenido y tan bueno que te pierdes en este fenómeno sensorial. Banda sonora con grupos como Oasis y claro…………Madonna. (Ritchie en aquella altura barriendo para casa……………).

Vinnie Jones (Bullet tooth Tony) Mi preferido. Interpreta a un asesino profesional de métodos originales y persuasivos. Una cara tan seria que daría miedo hasta a su madre, conjugada con unos diálogos brillantes, grotescos, del humor más negro que pueda existir. Unos ojos gélidos y penetrantes recitando palabras metódico, con una entonación casi plana que confiere más credibilidad al personaje y con el que no dejas de reír en ningún momento. El monólogo sobre la pistola y sobre la parte anatómica masculina es sublime. Todas sus escenas merecen la pena, todas.

Jason Statham (The Turkish) Un agente de boxeo al que todo le sale mal, en un cúmulo de mala suerte que no para de aumentar y lo empareja con un mafioso peligroso. Impecable en todo el filme Statham nos conforta con su presencia impasible y decida en una actuación que es de lo mejorcito que he visto de él.

Brad Pitt (Mickey O’Neil) Pugilista gitano, famoso por sus tratos comerciales singulares su afición a los perros y con una obsesión insana por caravanas. Brad Pitt enérgico y desbordantemente cómico nos sorprende con este papel.

Rade Serbedzija (Boris “The blade”). Traficante de armas deshonesto, vengativo y egoísta. Representa con mucho acierto el matiz que el personaje precisa, disfrutamos de su físico tan acorde al papel y su fuerza personal en este especial sujeto cargado de humor morboso.

Dennis Farina (Avi Denovitz) Finge ser judío para beneficiarse en sus negocios, pero por dentro es un mafioso en toda regla. Entrañable Dennis Farina encarnando a este dual gánster que tan pronto es un comerciante “respetable” como un contrabandista calculador y despiadado. Las reflexiones que hace sobre Londres son todas muy divertidas.

Benicio del Toro (Frankie Four Fingers) Su intervención es breve, pero toda ella generosa en interpretación y buen hacer. Apostador nato y ladrón experto. Desencadenante de gran parte de la trama y como el resto del elenco desprende humor en grandes dosis.
Por Isabel (LISBOA)
Manhattan (Pontuação: 9)
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Rhapsody in blue, 2009-10-29
Decir que me encanta es superficial, lo sé, pero es que me encanta esta maravilla. Me encanta este Woody Allen que se abre a sus temores e inseguridades en un filme irónico y maquiavélicamente introspectivo.

Primer capítulo con planos sin igual sobre NY y Manhattan que te introducen en el espíritu citadino desde el prisma de este encantador de imágenes que es Woody Allen. Una primera escena acompañada por un “Rhapsody in blue” apoteósico, vibrante, acondicionando la atmósfera de la ciudad en un ambiente de Broadway, jazz y blues. Unos planos generales captando de lejos la silueta de NY entre fuegos de artificio como cierre de escena, y como presentación de esa ciudad. Y yo que me confieso anti- yankee, no puedo dejar de admirarme por esta belleza, por este colapso visual tan seductor.
Fotografía en blanco y negro espectacular, recreando un estilo clásico y con el genuino estilo “mafioso” de esa ciudad. Ensueño y fantasía echo imágenes en un cine de autor a la medida de su grandeza de contrastes y tonalidades grisáceas, con planos con el puente de Manhattan iluminado con tenues luces al amanecer bajo una espesa niebla………y si la perfección existiese sería sin duda ninguna una imagen como esa que Dios crearía.

Argumento del propio Woody, que a la vez que nos enseña la decadencia intelectual y el desarraigo urbano de la populosa ciudad, nos propone una mirada crítica de su deshumanización y su frivolidad en unos tiempos en los que tener una relación era como ir a comprar el pan. Protagonistas buscando sus identidades sentimentales entregándose en sus frustraciones sexuales y sus libertinas irrealidades. Diálogos con un humor satírico, fino y con referentes literarios continuos, en una ironía que se va concentrando en círculos sobre todos los protagonistas. (Recuerdo en este momento el diálogo en el que Diane Keaton le dice a Woody Allen cuando éste le presenta a su joven novia (17 años) :_”Navokov está en algún lugar riéndose en este momento”, en una censura ante lo que ve, como una bofetada sin mano). Y este recurso es efectivo, y se prolonga durante todo el filme dejándonos un guión hondo y personalizado.

Woody Allen (Isaac) Sólo Woody para interpretar a Woody, un personaje que deambula por la ciudad, en una paradoja egocéntrica e hipocondríaca sobre sí mismo. Buscándose a través de todas las mujeres que él cree que ama. Absurdo en sus esfuerzos por encontrarse a través de los otros cuando no es capaz de hacerlo en sí mismo. Ilógico en su trabajo que es otro factor determinante de su crisis existencial. Y mientras todo esto se sucede y su vida se vuelve un caos emocional su particular bajada a los infiernos se transmuta en la película teniendo que abandonar NY e irse a vivir a Manhattan en un paralelismo asociativo. Genial el contenido enriquecedor de su personaje e interpretado con una maestría aturdidora.

Diane Keaton (Mary) Irresistiblemente encantadora, nos representa a una mujer tan perdida como un pulpo en un garaje. Incongruente y bipolar, se debate entre dos amores y entre sus fallos en un pasado amoroso completamente idiota y vacío, que desemboca en un personaje deliciosamente insuperable.

Mariel Hemingway (Tracy) La mejor de todo el elenco en contenido y en solidez artística. Es sorprendente verla entre adultos y que su veracidad sea el elemento que más rompe con el esquema esquizofrénico de la trama y de todos los absurdos tópicos que esos “adultos” encierran. Todas sus intervenciones son brillantes, calculadas con una naturalidad sorprendente, genialmente adecuadas a su reducida edad pero elevada madurez. Una cara de ángel induciendo a la candidez y la inocencia entre unos seres que han perdido la perspectiva de la ingenuidad cuando las personas se enamoran de verdad. Una frase demoledora en el final como una llave y la clave para abrir las puertas de esa visión que es lo que todos ellos necesitan. Inmensa Mariel, divina. El resumen perfecto de esta gran película.
Por Isabel (LISBOA)
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